Pari réussi pour Andy Muschietti : Ça fout vraiment les jetons !

Ça, le nouveau film d’Andy Muschietti (2017), nouvelle adaptation du roman culte de Stephen King paru en 1986, est une totale réussite. Le clown maléfique Pennywise (ou Grippe-sous en VF) est flippant à souhait et les 7 enfants de la bande des losers sont craquants comme tout. Il n’était pas évident de faire vivre cette première partie de l’histoire (il y aura assurément une suite) en se concentrant sur l’expérience des enfants confrontés à une entité démoniaque durant l’été 1989 à Derry, dans le Maine. Projection de leurs peurs les plus secrètes, la figure de Pennywise permet à chacun des enfants de se surpasser et de dépasser les contraintes : familiales et religieuses pour certains, raciales pour un autre, psychologiques pour le personnage de la fille Berverly, touchante de bout en bout.

On sent que le réalisateur et le directeur de la photo ont choyé leur jeune cast, tant le rendu émotionnel est tangible à l’image ; certaines scènes sont proprement bouleversantes, et chaque jeune comédien est bluffant dans sa partition.

Et alors, me direz-vous, qu’en est-il de Grippe-sous ? Est-il si effrayant que cela ? Eh bien, mes amis, c’est peu de le dire, le comédien Bill Skarsgard livre une partition de haute volée, magistrale, et on sent que sous le maquillage le comédien suédois jubile à jouer avec les terreurs enfantines enfouies au plus profond de nous-mêmes.

En plus le film est parsemé de références pour les plus cinéphiles d’entre nous : saurez-vous reconnaître quels films passaient au cinéma aux Etats-Unis l’été 1989 ?

Allez n’hésitez pas une seconde : foncez voir ça, vous allez adorer avoir peur, vraiment peur !!

This is it ! ou Avoir la trouille dans les salles obscures

http://www.hollywoodreporter.com/video/latest-trailer-mtv-movie-tv-awards-1000982

Plusieurs fois par an on nous promet de nous ficher une trouille mémorable au cinéma, et les gens du marketing des studios ne lésinent pas sur les moyens. Mais depuis la découverte des premiers Halloween, Vendredi 13 et Freddy il en faut pour nous faire sursauter de notre siège, non ? Alors, la toute nouvelle mouture du légendaire Ça de Stephen King, réalisé en 2017 par Andy Muschietti, tiendra-t-elle toutes ses promesses ? Et le génial Bill Skarsgard qui tient aujourd’hui le rôle du maléfique Pennywise va t’il tenir la dragée hôte à l’incomparable Tim Curry qui tint le même rôle dans le téléfilm (pas mal du tout en fait) en 2 parties de Tommy Lee Wallace (1990) ? Réponse à partir d’aujourd’hui dans nos meilleurs salles de cinéma.

On en reparle très vite, promis !

 

« Dunkerque » de Christopher Nolan

Le nouveau film de Christopher Nolan, Dunkerque, est une totale réussite. En racontant l’opération « Dynamo » qui permit de rapatrier les troupes britanniques repliées sur la plage de Dunkerque en 1940, le cinéaste filme le désarroi qui s’empare des soldats, attendant des navires de guerre qui doivent les rapatrier « at home », de l’autre côté du Channel, et qui ne viennent pas. En entremêlant trois temporalités différentes correspondant à l’Armée de Terre (une semaine), à la Marine (une journée), et à la Royal Air Force (une heure), le filme nous plonge au plus près de l’événement, et les dialogues, réduits à l’essentiel, n’encombrent pas la narration ; ici, aucun plan figurant une réunion d’état major avec cartes militaires sur lesquelles sont penchés les officiers, l’air contrarié. Non, en 1h47 Christopher Nolan donne à voir l’horreur de la situation : 350 000 soldats britanniques se font pilonner par l’aviation allemande, et ni le ciel ni la mer ne répondent à leurs supplications.

On est davantage chez les Atréides ou chez les Achéens devant les hautes murailles de Troie, la Cité Majestueuse, que devant un bloc d’histoire trop longtemps occulté. Avec sa maestria habituelle (le film est tourné à la pellicule et au 70 mm, c’est-à-dire à l’ancienne), le cinéaste redéfinit les canons esthétiques du film de guerre, et prouve que la rencontre entre un sujet, un inventeur de formes, des acteurs exceptionnels et une équipe technique au top de sa forme, peut donner naissance à ce miracle : faire revenir dans les salles celles et ceux qui les avait désertées depuis trop longtemps.

En cela aussi le film est une réussite belle et durable.

Luc Besson, plongé dans les étoiles et les galaxies, va-t-il parvenir à nous enchanter de la même façon ?

Portrait d’une enfant en majesté : « L’effrontée »

En 1985 Claude Miller sort au cinéma L’effrontée, qui est le portrait d’une jeune fille de 13 ans, Charlotte Castang, au début des grandes vacances d’été. L’ennui, la chaleur de l’été, les affres de l’adolescence qui commence, le sentiment de ne pas être compris, de perdre son temps, toutes les avanies de cet âge ingrat sont radiographiées avec tendresse et humour par un réalisateur au sommet de son art. Reprenant le flambeau de ces grands cinéastes qui filmèrent les enfants avec une maestria sidérante (Jean Vigo, François Truffaut, Robert Bresson, Maurice Pialat) Claude Miller réalise un grand film populaire (couronné par un succès mérité en salles lors de sa sortie) qui réconcilie les gens avec un cinéma de qualité, en apparence tout simple, sachant raconter sans jamais ennuyer, les petits tracas du quotidien.

Portrait d’une enfant de 13 ans au milieu des années 80, qui se pose des tas de questions et expérimente en moins d’un mois pas mal d’émotions contradictoires, le film est bouleversant car il fait éclore le talent naturel, sans artifice, de la très jeune Charlotte Gainsbourg. Quand on sait l’immense actrice qu’elle est devenue par la suite on ne peut que se féliciter du choix de Claude Miller de lui confier le rôle éponyme. Et puis retrouver Bernadette Laffont dans le rôle de Léone, à la fois confidente et maman de substitution pour Charlotte et sa petite voisine, est toujours un émerveillement, tant la grâce et le talent de cette comédienne extraordinaire ont imprimé la pellicule.

Visionner ce film c’est aussi se souvenir de qui on était, à 13 ans, au milieu des années 80, qu’on soit fille ou garçon, en Province.

En 1985 j’avais 12 ans, et à chaque fois que je regarde L’effrontée j’ai l’impression que Claude Miller a mis des images sur mes émotions et mes souvenirs de pré-adolescent. Je pense que nous sommes nombreux à considérer ce beau film sensible comme notre madeleine de Proust.

Les affres de la jalousie selon Claude Chabrol : « L’Enfer »

Paul aime Nelly. Il l’épouse. Ils tiennent une auberge-hôtel dans le Sud de la France (entre Revel et Castelnaudary pour être plus précis), et peu à peu, sans qu’on comprenne pourquoi, Paul va devenir fou. Fou de jalousie. Sa femme, Nelly, va devenir le vecteur d’un problème existentiel, corrompu par la belle lumière, brûlante, du Midi.

Exercice de résolution psychanalytique de haute volée, L’Enfer (1994) de Claude Chabrol part du film inachevé d’Henri-Georges Clouzot et des essais lumière de Romy Schneider pour nous présenter sa vision du couple au milieu des années 90 en France. Et quel couple ! Campé avec classe par un jeune François Cluzet, qui ressemble à Sami Frey dans César et Rosalie (1972) de Claude Sautet, et une Emmanuelle Béart resplendissante de beauté solaire et de magnétisme animal foudroyant, ce couple ressuscite les grandes unions du cinéma français : on pense bien sûr à Yves Montand et Romy Schneider, à Gérard Depardieu et Catherine Deneuve, ou encore à Olivier Martinez et Juliette Binoche dans le trop sous-estimé Le Hussard sur le toit de Jean-Paul Rappeneau, sorti un an après L’Enfer, en 1995.

D’ailleurs on comprend finalement assez vite pourquoi Paul crève de jalousie : sa femme, Nelly, est érotiquement chargée par les électrons du plaisir et de la sensualité, inconsciente en même temps de son potentiel sexuel sur les autres mâles qui gravitent dans son giron. Alors le pauvre Paul, stressé à cause de la gérance de son hôtel, va s’imaginer des choses ; et les images mentales de Paul – des gros plans sur le visage sublime d’Emmanuelle Béart en train d’aguicher le quidam – vont précipiter ce dernier dans la folie la plus destructrice, la plus malséante.

Mais le roué Claude Chabrol nous fait douter jusqu’au bout : n’assistons-nous pas plutôt à la lente formation d’une psyché révoquée, encombrée, celle de Paul, qui s’imagine des choses qui n’existent pas, qui n’ont peut-être jamais existé ailleurs que dans son esprit tourmenté ? Le dernier plan du film, sur le visage de Paul qui se parle à lui-mêle, pose la question suivante : que font les hommes face à l’énigme du corps des femmes ? Sinon le briser, sinon le nier, sinon le rompre ?

Et le metteur en scène français n’oublie pas non plus la fulgurance qu’il y a à filmer un rasoir (attribut de la puissance masculine) non loin d’un beau visage de femme, et se souvient d’Angie Dickinson dans le troublant Pulsions (1980) de Brian de Palma.

L’Enfer est pour le coup un des meilleurs Chabrol de la décennie 90 avec Madame Bovary (1991), Betty (1992), et La Cérémonie (1995), à revoir toutes affaires cessantes juste avant l’été qui vient.

La semaine prochaine nous évoquerons à nouveau Emmanuelle Béart dans son plus beau rôle : celui de Nelly et Monsieur Arnaud (1995) de Claude Sautet.

Enfin un film de super héros adulte !

Il était temps ! On commençait à se dire que non, finalement, le genre du film super-héroïque ne se prêtait pas aux arabesques d’un auteur de cinéma. Depuis les deux superbes Spider Man de Sam Raimi (2002 et 2004) les films de super héros avaient contaminé les écrans du monde entier et donné naissance à un nouveau genre en soi. Mais un excès de CGI (les effets spéciaux d’aujourd’hui, générés exclusivement par ordinateur) et trop de bavardages entre les différents protagonistes nous faisaient perdre de vue l’essentiel : à chaque fois il s’agit de la destruction du monde, à chaque fois il s’agit de sauver l’espèce humaine de sa propension à engendrer la terreur, le nihilisme guerrier, bref les pires insanités qui ont permis un Trump à la Présidence des Etats-Unis, ou une Le Pen et un Fillon bientôt chez nous. Ces films là étaient le reflet de ce que nous sommes devenus, des cons stupides et arrogants, penchés sur leur dernier smartphone, sans se rendre compte que les sirènes hurlaient de partout… Ni un Henry Cavill, ni un Christian Bale, ni une Gal Gadot en amazone n’étaient assez charismatiques pour nous sauver de notre propre stupidité. Nous étions les spectateurs consentants de notre propre vacuité. Et enfin vint Logan, un personnage de cinéma à l’ancienne, sombre et méchant, tiraillé entre une vengeance destructrice et un lent et douloureux apprentissage de l’amour : perdre celle qu’on s’apprête à aimer à l’instant où d’autres feux, bien plus dévorants, embrasent le monde. Point de paternité chez l’animal traqué, point de sentimentalisme suranné chez la bête fauve, mais l’instinct de survie y est chevillé au corps et au coeur. Dans Logan, de l’impeccable James Mangold, nécessité fait loi : on ne devient pas père, mais il se trouve que les situations obligent à faire un choix, et à s’y tenir : on accompagne cette enfant de 13 ans jusqu’au bout, quitte à perdre sa bestialité au passage. Le jeu n’en vaut-il pas la chandelle ?

Allez vite voir ce film pas comme les autres : quand la fureur et la poésie font bon ménage à ce point on dit « bravo » et on applaudit des deux mains !! Logan est un très beau film américain en somme, à la manière de Midnight Special de Jeff Nichols (2016).

Exercice réussi !

Alors il était comment ce nouveau Maigret mis en chantier par la vénérable BBC ?

Eh bien en ce qui me concerne je l’ai trouvé pas mal du tout, et Rowan Atkinson, loin des grimaces de ses personnages de Bean et de Johnny English, s’en tire avec les honneurs. Son interprétation est loin d’être ridicule, et son jeu minimaliste se prête parfaitement au personnage du commissaire de la police judiciaire Jules Maigret. Taciturne, obstiné, peu causant, sûr de son infaillibilité de fin limier, le policier n’est pas du genre à lâcher facilement son os. Dans ce premier téléfilm intitulé Maigret tend un piège le commissaire est confronté à un tueur en série qui sévit à Montmartre ; la police piétine, la presse accuse, l’opinion publique s’impatiente et le pouvoir en place veut faire tomber quelques têtes (comme de coutume en période de crise), mais Maigret, lui, prend son temps, à rebours du temps de l’investigation policière, et en recueillant de maigres indices, commence à reconstituer le puzzle. Rowan Atkinson s’est glissé avec aisance dans la peau de notre plus célèbre commissaire, et est entouré d’un casting à toute épreuve, mention spéciale pour Fiona Shaw, dans le rôle de la mère possessive, une grande dame du cinéma britannique. La réalisation est extrêmement soignée, et la reconstitution du Paris des années 40 n’échappe certes pas à certains clichés, mais enfin voir des jeunes gens bien sapés fumer clopes sur clopes à la terrasse des cafés montmartrois en éclusant des canons de rouge et en se roulant des galoches avec envie, ça fait un bien fou !! Autrefois on savait vivre, nom de nom !

Bref c’est un exercice réussi de la part de nos amis d’outre-manche, alors je suggère ceci : peut-être une société de production française pourrait avoir l’audace de mettre au goût du jour un Sherlock Holmes, par exemple Le Chien des Baskerville, en offrant le rôle-titre, disons à…. Gad Elmaleh ou à Kad Merad ? Ou bien à Franck Dubosc ?

Hélas, je vois d’ici votre moue dubitative, nous avons des comiques à foison par ici, mais pour ce qui est de bien jouer la comédie devant une vraie caméra de cinéma ou de télévision… Ne soyons pas désobligeants ; je crois que nous nous sommes compris !

Un nouveau Maigret sur France 3 dimanche 19 février !

Ce dimanche 19 février 2017 France 3 programme à 20h55 un nouveau téléfilm de la BBC : Maigret tend un piège. Avec devinez qui dans la peau du célèbre commissaire Jules Maigret ?

https://www.youtube.com/watch?v=CpViacF-a0k

On en reparle la semaine prochaine !

The Deer Hunter de Michael Cimino (1978)

Voir The Deer Hunter de Michael Cimino (1978) au cinéma, dans une copie restaurée, est une expérience incroyable ; car toute la beauté du film, ses paysages incroyables, ses gros plans d’acteurs, sa musique mélancolique (les notes de guitare en arpège qui ponctuent l’état d’esprit de l’ouvrier métallurgiste Michael Vronsky, joué à la perfection par Robert de Niro), explosent sur l’écran large, dans une farandole d’émotions qui nous submergent pendant les 3 heures de projection. Voir ce film là au cinéma c’est faire un voyage dans le passé, quand les films tournés à cette époque témoignaient d’une réelle ambition artistique, et luttaient à armes égales avec la littérature et la musique. Dans les années 70 de jeunes réalisateurs inventaient un nouveau langage cinématographique en interrogeant l’état du monde dans lequel ils vivaient, mais aussi dans lequel ils avaient grandi ; Michael Cimino en faisait partie. Italo-américain comme Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, et Brian de Palma, il s’ouvrit une voie royale à Hollywood en mettant en scène Clint Eastwood et le jeune Jeff Bridges dans Le Canardeur (1974).Et 4 ans plus tard il mit le monde à ses pieds en lui offrant ce Voyage au bout de l’enfer, qui fut sa Chapelle Sixtine, alors que ce n’était que son 2eme long métrage.

En nous racontant la vie quotidienne d’une bande d’amis, des ouvriers métallos d’une petite ville de Pennsylvanie, juste avant le départ de trois d’entre eux pour la guerre du Viêt Nam, Michael Cimino met en images une saga aussi flamboyante que celle du Parrain de Coppola (1972 et 1974 pour les 2 premiers épisodes). En structurant son film en plusieurs parties comme on découpe en chapitres un roman (la sortie d’usine ; le mariage de Steven ; la partie de chasse ; au coeur de l’enfer viêtnamien ; la capture des 3 amis ; à Hanoi ; retour de Michael décoré en Pennsylvanie ; retour de Michael à Hanoi, pendant sa chute, pour sauver Nick ; les funérailles de Nick ; et enfin, dernier repas partagé ensemble) le réalisateur prouve que le cinéma est un art d’une amplitude sans commune mesure avec les autres arts, car la maîtrise formelle conjuguée à l’audace de la narration stricto sensu délimite un film-monde, totalisant, qui ouvre sur une nouvelles façon d’envisager la lumière et le son, le souffle romanesque avec l’intimité la plus stricte. Chacun des acteurs incarnant cette bande d’amis, et bien sûr la divine Meryl Streep, auraient chacun et chacune mérité un prix d’interprétation ou un Oscar ; Et pour moi, dans la peau de l’ouvrier Michael Vronsky, Robert de Niro y trouve le rôle de sa vie.

Un chef d’oeuvre absolu, à voir nécessairement sur un grand écran de cinéma !

Des frissons de plaisir

Quoi de mieux pour commencer cette nouvelle année 2017 (au fait bonne et heureuse année à toutes et à tous !) que le visionnage d’un petit bijou intitulé It follows, réalisé par le cinéaste américain David Robert Mitchell en 2015. Si vous aimez frissonner dans le noir, enveloppé dans votre couverture préférée, ce film est pour vous. Une adolescente fait l’amour pour la première fois avec un garçon qui a sensiblement son âge, et peu après il lui annonce que dorénavant elle va subir, comme lui, un genre de malédiction : une présence malfaisante n’aura de cesse de la suivre et d’essayer de la tuer. Alléchant, non ? En jouant sur les peurs primales de l’adolescence comme la transformation de son propre corps, le rite initiatique anxiogène de la première coucherie, les mst, le virus du sida, l’incompréhension avec les adultes, le réalisateur montre ce que c’est que d’être un adolescent au XXIe siècle, et à quoi ils doivent être confrontés. Extrêmement raffiné dans sa mise en scène (la photographie de Mike Gioulakis est sublime) It follows fait immanquablement penser aux films de John Carpenter et de Sam Raimi (comme Halloween et Evil Dead pour certains plans d’arbres noueux et terrifiants à la nuit tombée). Pour les amateurs du genre horrifique ce film est un régal, et pour les autres eh bien ça risque de vite devenir un film référence, tout simplement. On n’a pas fini d’entendre parler de David Robert Mitchell. Laissez-vous hypnotiser par ce film, vous n’en reviendrez pas !