Ciné 70 : (#2) « Guet-apens »

 

Au moment de la sortie du film Guet-apens (The Getaway) en 1972, il reste huit ans à vivre à l’acteur masculin principal, Steve McQueen. Il se sait condamné. Mais ce film-là, ce rôle-là, avec cette interprète féminine à ses côtés, la puissante actrice Ali McGraw, sera son chant du cygne.

D’un matériau classique et archi usé (la préparation du braquage d’une banque avec des colistiers imposés par un malfrat, puis l’affaire qui tourne court), le réalisateur américain Sam Peckinpah livre une composition baroque, dans laquelle les tirs au fusil à pompe se mêlent aux dialogues minimalistes. Les différents personnages sont dessinés avec la caméra d’un trait vigoureux. La brune est une tough girl qui n’a pas froid aux yeux, et c’est elle en fin de compte l’héroïne du film. Car elle ne laisse jamais tomber, même quand la situation semble désespérée. Elle se sacrifie pour faire sortir son mari de prison. Elle est violentée par son Doc McCoy qui crève à petit feu de jalousie mal digérée. Mais c’est elle seule qui lui sauve la vie. Pendant ce temps la blonde du film, la femme du vétérinaire, s’humilie avec l’antagoniste, une brute épaisse qui, comme un tueur mécanique, se relève toujours alors qu’on le croyait mort. La course-poursuite entre les malfrats et le Doc et sa femme, à travers les paysages arides du Texas et du Mexique, symbolisent l’errance dans laquelle furent plongés les États-Unis d’Amérique après l’assassinat de leur président à Dallas, neuf ans plus tôt.

Dans les premières bobines, quand Doc surveille, en compagnie de sa femme, les allées et venues des employés de la banque qu’il s’apprête à cambrioler, dans un mouvement de caméra en plongée, Peckinpah rejoue le traumatisme national de l’assassinat de JFK. Le film témoigne de cet élan crépusculaire qui a alimenté la machine à fantasmes hollywoodienne. On était en 1972 au cœur du réacteur de ce nouveau cinéma porté à bout de caméra par les Jeunes Turcs (Spielberg, Coppola, Scorsese, De Palma, Friedkin, et les autres) de la nouvelle donne cinéphilique.

Peckinpah, ce vieux roublard, se frotte à eux et propose sa version des faits : dorénavant, il s’agit de foutre le camp, de mettre le cap vers ce Sud mythique qui n’existe pas, celui de l’Eldorado des Conquistadores violents et névrosés. Au même moment (toujours en 1972), un autre allumé de la caméra, Werner Herzog, filme une fuite en avant mortifère dans Aguirre, la colère de Dieu.

Qui peut revenir sain et sauf d’une telle embardée, en ce début des années 1970 qui redéfinissent en profondeur le spectacle cinématographique hollywoodien ? Il faudra attendre 1979, c’est-à-dire la fin de la décennie, pour que ce vieux rusé de Don Siegel apporte un semblant de réponse dans son très beau L’Évadé d’Alcatraz, en compagnie de Clint Eastwood et de Patrick McGoohan.

On a pu prétendre que Sam Peckinpah était un marginal de la profession. C’est totalement faux, le beau diable a toujours œuvré dans le cœur même du système de production audiovisuelle états-unienne ; il dynamite les conventions, mais toujours à l’intérieur d’un cadre parfaitement orthonormé. Peckinpah réalise ses films avec l’aval de ses acteurs et de ses actrices ; il les filme frontalement, sans faux-semblants, et ils en redemandent.

Puissant morceau de bravoure, film nerveux et rythmé par la superbe partition de Quincy Jones et la somptueuse photographie de Lucien Ballard, The Getaway devient dès sa sortie sur les écrans, en 1972, un classique instantané, en même temps que le véhicule idéal pour abriter les amours XXL de son couple de stars McGraw/McQueen, ou le mariage du feu et du… feu.

Un an plus tard, Steve McQueen nous offrira un nouveau morceau de bravoure dans Papillon (1973), de Franklin J. Schaffner, cette fois en compagnie de Dustin Hoffman… Histoire à suivre.

« Bons Baisers de Russie »

La deuxième aventure de l’agent 007 au cinéma, Bons Baisers de Russie, sort sur les écrans en 1963, un an seulement après Dr No. Les très bons résultats au Box-Office du premier opus permettent de pérenniser l’aventure. Sean Connery rempile et les scénaristes Richard Maibaum et Berkely Mather font évoluer le héros au confluent de l’Orient (Istanbul) et de L’Europe continentale (Londres, Venise, Trieste, Zagreb, Belgrade).

Pendant qu’il prend du bon temps au bord d’un lac avec une demoiselle, James Bond est appelé toutes affaires cessantes par M au siège du MI6. Apparemment les services secrets britanniques auraient capté un message selon lequel une secrétaire du Consulat d’URSS à Istanbul serait en mesure de leur livrer un décodeur russe de trajectoire de missiles balistiques, le Lektor. Bien entendu, Bond et M flairent le piège, mais l’aventure est trop tentante. 007 est expédié illico à Istanbul, où il a pour mission de séduire la jolie secrétaire, Tatiana Romanova, jouée à la perfection par l’actrice italienne Daniela Bianchi (21 ans au moment du tournage), qui a brutalement interrompu sa carrière cinématographique en 1970 et c’est bien dommage. Mais qui pilote ce stratagème ? Les Russes, à travers l’officine du SMERSH, des renégats et des félons du Présidium de Russie, ou bien un autre organisme, bien plus dangereux ?

Cette nouvelle aventure de James Bond est contemporaine (à deux ans près) de la crise de la Baie des Cochons d’avril 1961, où Américains et Russes jouaient au chat et à la souris sous les yeux effarés du monde entier. L’agent de Sa Majesté va s’y acoquiner à un mufle de première catégorie qui lui ressemble, Ali Kerim Bey (joué avec gourmandise par l’acteur mexicain Pedro Armendariz, mort prématurément à l’âge de 51 ans l’année même du tournage, le 18 juin 1963), un homme d’affaires turc qui trempe dans les magouilles, et qui a pris fait et cause pour les occidentaux contre les Russes et leurs affidés, c’est-à-dire des tueurs bulgares de la pire espèce (la Bulgarie a dû apprécier à l’époque).

Certaines scènes ne passeraient pas aujourd’hui : celle où James Bond violente Tatiana Romanova dans le train-couchettes pour la faire parler en lui assénant une gifle, et celle dans le camp des Tziganes où le chef du campement offre à Bond deux jeunes femmes pour s’accoupler à elles en remerciement de l’aide qu’il leur a apportés en faisant le coup de feu avec eux contre les Bulgares patibulaires. Le clou du spectacle, qui dure toute une bobine, réside dans la longue séquence à bord de l’Orient-Express français où on quitte les armatures du film d’espionnage pour être plongé dans un whodunit à la Agatha Christie (qui a fait le coup ?).

D’ailleurs, le tempo lent du film réalisé comme le précédent par Terence Young, avec habileté et maîtrise technique, nous vaut de nous délecter de la composition picturale de chaque plan. Netflix a eu la très bonne idée de proposer au catalogue cette collection James Bond dans des copies numérisées flambant neuves. Mais, de grâce, pourquoi ne pas les laisser plus longtemps au catalogue ? Ça nous laisserait le temps de les visionner confortablement, sans se soucier des délais. En cela, rien ne vaut l’achat des BR qui nous permettent de lancer le film dans notre salon quand bon nous semble, au moment que l’on juge le plus opportun.

Aurai-je seulement le temps de vous parler de la troisième aventure de James Bond 007 au cinéma, le mythique Goldfinger ?

À suivre…

 

« James Bond 007 contre Dr No »

Sublimes… forcément sublimes : Ursula Andress la divine et Sir Sean Connery, l’incarnation du cool britannique.

Replonger dans le tout premier long métrage de la saga James Bond 007, réalisé en 1962 par Terence Young, c’est réaffirmer notre amour inconditionnel pour les images de cinéma. Cette toute première aventure, entre Londres et la Jamaïque (alors colonie anglaise jusqu’au 6 août 1962), de l’agent du MI6 contient en son sein presque tous les éléments du mythe en construction : le costume gris anthracite impeccablement taillé à Savile Row, le patronyme que l’on prononce (surtout à la gent féminine) avec un mélange de décontraction et de veulerie à peine masquée, la classe absolue de son premier interprète au cinéma pour l’éternité, Sir Sean Connery l’Écossais, la Vodka-Martini secouée au shaker, pas à la cuiller, les cigarettes qu’on fume à la chaîne (à l’époque les campagnes anti-tabac, connais pas !), les femmes culbutées et violentées sans leur consentement (de nombreuses scènes entre Bond et les Girls piquent un peu les yeux aujourd’hui !), mais la fabuleuse Aston Martin gris chromé ne fait pas encore son apparition dans ce James Bond 007 contre Dr No.

James Bond, le Matricule 007 du MI6 britannique (qui lui donne le droit de tuer, mais pas de se faire tuer), est sommé par M, le boss du contre-espionnage de Sa Majesté, de se rendre sur le champ à Kingston, la capitale de la Jamaïque, alors colonie de l’Empire britannique. Il doit y reprendre l’enquête discrète menée là-bas par John Strangways, lui aussi agent Double Zéro, qui, en compagnie du marin Quarrel, explorait une île, Crab Key, en ramenant des pierres pour les faire analyser par le professeur Dent. Quelque chose de pas clair tracassait Strangways à propos de cette île mystérieuse. James Bond, dès qu’il arrive à l’aéroport de Kingston, reprend l’enquête là où son prédécesseur, lâchement assassiné en compagnie de sa secrétaire par trois individus, l’a brutalement laissée au point mort.

Cette toute première affaire de Bond, aidé à la marge par l’agent de la C.I.A. Felix Leiter (chouette interprétation de Jack Lord), et merveilleusement accompagné par la toute première James Bond Woman de l’histoire de la saga, l’exquise comédienne suisse Ursula Andress, qui incarne à la perfection Honey Ryder, la biologiste marine autodidacte et tueuse de sang-froid (elle supprime les mâles toxiques à l’aide de redoutables veuves noires – bon débarras, les gars !), imprime l’écran de cinéma avec de la lave en fusion : au tout début il s’agit d’un classique film d’enquête policière mâtiné de contre-espionnage, mais ensuite il va muer en film d’aventures exotiques (toutes les séquences en compagnie de Bond, de Quarrel et de Honey Ryder à Crab Key), avant de prendre la forme dans sa dernière partie (l’antre lacustre du Dr No) d’un pur film de science-fiction, magnifiée par les décors exceptionnels et le production-design du Maestro Ken Adam (tellement bon le monsieur qu’il sera débauché par Stanley Kubrick himself !).

À suivre…

 

Ciné 80 : (#8) « Highlander »

Un film de l’australien Russell Mulcahy, sorti sur les écrans de cinéma en France en 1986.

Dans un plan saisissant du film, le highlander, un être humain devenu immortel, est en fâcheuse posture. Nous sommes en pleine Seconde Guerre mondiale dans cette séquence. Pendant qu’un officier SS lui tire dessus à la mitraillette, il s’affaisse sur une petite fille, Rachel, que le nazi vient de rendre orpheline. Soudain il ouvre les yeux, et la petite, surprise, lui demande : « Mais tu es vivant ? » Et Christophe Lambert, qui interprète ce preux chevalier qui traverse le temps depuis quatre siècles et demi, depuis les Highlands de son Clan en 1536, jusqu’au New York de l’année 1985, répond à la petite, tout en lui adressant un clin d’œil : « It’s a kind of magic ! » Alors il se relève et abat le nazi. Rachel deviendra par la suite la femme très classe qui protègera l’identité secrète de Connor MacLeod.

Highlander date de 1986 et met en vedette à Hollywood notre star masculine française de l’époque, Christophe Lambert, qui avait crevé les écrans dans Subway de Luc Besson en 1985, et dans Greystoke, la légende de Tarzan du Britannique Hugh Hudson un an plus tôt (en 1984 donc). Nous reparlerons plus en détail de ces deux-films-là dans deux prochains articles de la rubrique Ciné 80 (patience, patience !)

Pendant un tiers du film le personnage de Connor MacLeod est associé à celui, plus fantasque, de Juan Ramirez, le flamboyant hidalgo immortel lui aussi, et plus vieux de 6500 ans. C’est Sean Connery qui interprète savoureusement ce personnage de mentor haut en couleur, calqué sur celui d’Alec Guinness dans le tout premier volet de La Guerre des Étoiles (1977) de George Lucas. Les années 1980 continuaient les décennies 1960 et 1970 qui avaient fait de l’Écossais Sean Connery une star de cinéma incontournable. Pendant cette décennie 80 l’acteur s’amuse, et cela se reflète dans le choix de ses rôles, qui s’écartent de ceux qu’il arborait une décennie plus tôt : le roi grec Agamemnon dans Bandits, Bandits de Terry Gilliam en 1981, le shérif William T. O’Neil dans Outland, loin de la Terre de Peter Hyams en 1981 toujours, James Bond 007 à nouveau (et pour un dernier tour de piste) dans le sublime Jamais plus jamais d’Irvin Kershner en 1983 (qui reste un Bond non officiel, ne l’oublions pas), Guillaume de Baskerville dans le puissant et poétique Le Nom de la Rose du Français Jean-Jacques Annaud en 1986, la même année que le Mulcahy qui nous intéresse ici, le flic incorruptible Jim Malone dans le chef-d’œuvre Les Incorruptibles de Brian de Palma en 1987, et bien entendu le premier Professeur Jones, Henry Jones, Sr., dans le très beau Indiana Jones et la Dernière Croisade de Steven Spielberg en 1989, pour clore la décennie en beauté. L’acteur vieillissant aimait incarner des mentors, des hommes d’âge mûr qui transmettent quelques bribes d’expériences humaines à de jeunes têtes brûlées qui foncent tête baissée sur le chemin escarpé de la vie.

Un bon film, comme disait Alfred Hitchcock, c’est aussi un méchant qui marque les esprits. En la matière le très méchant guerrier immortel de Highlander, le Kurgan, qui veut remporter le prix ultime pour soumettre l’humanité à sa botte, ne manque d’aucunes des caractéristiques qui en font un antagoniste inoubliable : look punk-rock démentiel, dégaine de cuir noir, farouche envie de mettre le feu à la bienséance au cœur même d’une paisible église qui n’en demandait pas tant.

Alors quand dans la salle de cinéma, en 1986, le dernier plan tourné dans les Highlands nous montrait le dernier Immortel Connor MacLeod enlacer tendrement son amoureuse, la belle New Yorkaise de la Police scientifique Brenda, et laissait la place au générique de fin en faisant miauler dans les enceintes la chanson-titre du film : A Kind of Magic de Queen, un de nos groupes préférés des Eighties, on venait de comprendre que ce jeune réalisateur australien surdoué, Russell Mulcahy, venait de nous offrir les clés enchantées du Dernier Royaume de notre enfance, celui des rêves en celluloïd, en Panavision  et en Technicolor, qui allaient nous accompagner toute notre vie.

Mission: Impossible – The Final Reckoning

Ces nouvelles aventures de l’agent Ethan Hunt et de sa Task Force de l’IMF démarrent sur les chapeaux de roue. Pendant les 2h49 qui suivent, le rythme ne faiblit jamais. Ethan, qui a mis la main dans l’épisode précédent sur une double clé d’une importance capitale pour arriver au code-source de l’Entité, une IA démiurge qui veut prendre le contrôle des mises à feu nucléaires mondiales (rien de moins !), va courir après un antagoniste, Gabriel, qui lui donne du fil à retordre. Mais voilà, Ethan Hunt est résilient, et même cabossé à l’extrême par les sbires de Gabriel dans des sous-sols cauchemardesques, le désormais sexagénaire envoie encore du lourd en matière de bagarres fractales. Mais là n’est plus l’essentiel.

Même la caméra refuse d’impressionner la pellicule avec de la violence gratuite. On laisse le superviseur du son nous faire comprendre de quoi il s’agit. Ce qui est important désormais, c’est cela : Tom Cruise court une fois de plus contre la montre. En allant en Autriche, en passant par Londres, en se rendant par sous-marin nucléaire (excusez du peu !) barboter dans les eaux glaciales de la Mer de Béring, et en s’envoyant littéralement en l’air au-dessus de l’Afrique du Sud, Tom/Ethan réunit deux héros cinématographiques en un seul : il est à la fois James Bond 007 (puisque Daniel Craig a délaissé le costume) et Indiana Jones (même si Harrison Ford ne daigne pas lâcher le flambeau). Il court, nage, vole, bastonne bien comme il faut, mais, contrairement à eux, il n’a aucun goût pour la gaudriole. Car il préfère l’amitié aux galipettes sous la couette. Ce qu’il partage avec James Bond, par contre, c’est la ville de Londres, dans laquelle il apparaît à deux reprises au cours du film. Il semble que Londres devienne l’endroit où l’agent de l’IMF et ses autres protagonistes préfèrent vivre. En cela cette nouvelle aventure de la bande de l’IMF est raccord avec le tout premier film de la saga cinématographique initiée par Tom Cruise et Brian de Palma en 1996, où les scènes londoniennes étaient le marqueur original de cette quête d’espionnage à l’échelle internationale. Et puis Tom Cruise a vécu à Londres, pendant le tournage de Eyes Wide Shut (1999) de Stanley Kubrick.

Techniquement irréprochable, truffé de séquences spectaculaires fabriquées à l’ancienne, Mission: Impossible – The Final Reckoning de Christopher McQuarrie, est une déclaration d’amour du beau Tom vieillissant à son public de fans de la première heure, celles et ceux qui ne l’ont jamais lâché depuis ses débuts tonitruants dans Legend (Ridley Scott, 1985), Top Gun (Tony Scott, 1986), La couleur de l’argent (Martin Scorsese, 1987) et Rain Man (Barry Levinson, 1988), et dont je fais partie.

Il s’agit d’un spectacle cinématographique réjouissant à aller voir en famille avec les kids.

Ciné 80 : (#6) « Top Gun »

Le lieutenant Pete Michell, indicatif « Maverick », est un as de l’Aéronavale. Pilote surdoué, c’est aussi une tête brûlée, et lors d’une reconnaissance depuis le porte-avions où il est affecté avec son navigateur (et ami d’enfance) « Goose », il « flashe » des MIG russes. Auréolés par ce fait militaire inédit et convoqués sur le champ par l’Amiral du bâtiment, il est décide que le pilote casse-cou et son navigateur iront compléter leur formation à Miramar, en Californie, à la Fighter Weapon School, l’académie aéronavale américaine qui forme l’élite des pilotes de combat. Dans cette école, appelée Top Gun, le lieutenant Maverick va être confronté à la compétition (le meilleur élève de l’école, Iceman, devient son adversaire le plus redouté dans la course au trophée Top Gun), au sentiment amoureux (l’instructrice de l’Air ne le laisse pas indifférent, loin s’en faut), et à la perte…

Top Gun, ce film de 1986 réalisé par Tony Scott, le frère de Ridley, est devenu au fil des décennies un film-totem. Car il regroupe toutes les thématiques qui passionnaient les teenagers que nous étions dans les années 1980. La camaraderie (et pendant les années collège, c’était important), le vrombissement surpuissant des réacteurs des Grumman F-14 Tomcat, ces machines de guerre effrayantes qui nous changeaient de nos mobylettes et de nos scooters bridés.

Top Gun a par conséquent été un marqueur indélébile dans nos jeunes vies de spectateurs émerveillés, et rassemblait autant d’admiratrices de la frimousse du beau Tom Cruise que d’admirateurs de la classe naturelle du décontracté Val Kilmer. Et que dire alors de l’extraordinaire actrice de cinéma Kelly McGillis, née à Newport Beach en Californie, et vue dans Witness de l’australien Peter Weir en 1985 et dans Les Accusés de Jonathan Kaplan en 1988 ? Et nos aîné.es préféraient la présence bienveillante de Tom Skerritt, indicatif « Viper », légende vivante de l’Aéronavale, en se souvenant que cet acteur américain né à Détroit, dans le Michigan, incarnait l’emblématique Dallas dans Alien : le 8e passager du frangin Ridley Scott, en 1979.

Top Gun a pris une place à part dans la nostalgie qu’on développe vis-à-vis du cinéma US des années 1980. Il reste indéniablement ce véhicule parfait qui raconte comment on apprivoise nos premières peurs : celle de l’abandon en premier lieu, ensuite celle du renoncement, enfin celle du deuil apprivoisé et de la remise en question nécessaire avant de parvenir à prendre un chemin moralement valide dans le monde qui attend les jeunes gens.

Quand, après de nombreuses péripéties sur la terre ferme comme dans les airs, le lieutenant Maverick décide de devenir instructeur à Top Gun, on pressent que ce ne sera pas le chemin emprunté par le jeune acteur de cinéma Tom Cruise, promis à une carrière fulgurante. Près de 40 ans plus tard, cet acteur qui éclatait en pleine lumière dans ces années 1980 bénies pour lui, est sans conteste le personnage le plus puissant d’Hollywood, aujourd’hui en 2024.

Top Gun premier du nom parle aussi de cette fulgurante ascension.

 

Quand les chiens de l’enfer attaquent : c’est le « Project Silence »

 Sur un tronçon d’autoroute qui relie Séoul à l’aéroport, suspendu entre le ciel et l’eau, un épais brouillard va causer un gigantesque embouteillage. Malheureusement un convoi militaire top-secret, roulant à vive allure, ne pourra pas éviter le collision. Alors la brume, de plus en plus opaque, va devenir le terrain de chasse de…

Il ne faut pas en dire plus, car ce film sud-coréen d’anticipation est contenu tout entier dans cette traque désespérée qui, par un concours de circonstances, va unir des citoyens coréens dissemblables l’espace d’une nuit cauchemardesque. La réalisation, efficace de bout en bout, nous prouve une fois de plus que les cinéastes du Pays du Matin calme sont aujourd’hui les meilleurs en matière de cinéma de genre, car ils ne prennent jamais le public à rebrousse-poil. Ils respectent énormément le matériau cinématographique, si bien que chaque scène d’exposition (un père professionnellement accaparé, veuf, a du mal à communiquer avec son unique fille adolescente ; un époux attentionné redouble de tendresse et de précautions envers sa femme atteinte de démence) préfigure avec éclat les séquences d’action à venir. Aucune rupture de ton ne vient déséquilibrer l’ensemble. La force de ce cinéma de la Corée du Sud réside dans sa capacité à rendre crédibles des situations assez délirantes, déjà vues ailleurs, mais jamais aussi bien filmées : par exemple toutes les scènes sur le pont suspendu envahi par le brouillard sont anxiogènes à souhait et retiennent toute notre attention.

Kim Tae-gon, le réalisateur, fait coïncider à merveille sens aiguisé de l’espace, axes de caméra judicieux, et interprétation mesurée de l’ensemble du cast. Ce Project Silence (Corée du Sud, 2024) vivifie un cinéma d’anticipation et d’aventures que les années 2020 remettent à l’honneur de la plus satisfaisante des manières. Sur les cartographies mondiales du cinéma la Corée du Sud, en septembre 2024, est toujours à la 1ère place du podium des actioners et des films d’anticipation. Mais gare : la relève arrive, et nous vient droit du sous-continent indien (nous en reparlerons d’ici peu, promis).

En attendant, Project Silence fait date, et après les prodigieux Dernier train pour Busan (Corée du Sud, 2016) et Peninsula (Corée du Sud, 2020) de Yeon Sang-ho, et le terrifiant et éprouvant (un conseil aux familles : à ne jamais mettre devant les yeux des enfants) Project Wolf Hunting (Corée du Sud, 2023) de Kim Hong-sun, il est d’ores et déjà une nouvelle référence de ce cinéma de genre qu’on aime tant.

 

Entrez dans la ronde avec « Twisters »

 

Chaque été amène son lot de films qui ont pour mission de nous faire oublier, le temps d’une séance, les tracas des mois écoulés. Pour ce faire, quoi de mieux qu’un bon film-catastrophe, comme on en produisait dans les années 1970 : mais à l’heure du réchauffement climatique et de l’éco anxiété, tout ça est en train de tourner au vinaigre. Et pas sûr qu’en Californie on ait très envie de se réfugier dans une salle climatisée pour contempler des tornades destructrices pendant que 300 000 hectares sont en train de brûler dans la vraie vie. Cependant, au niveau spectaculaire et scènes ébouriffantes, ce nouveau film de tornades, Twisters (Lee Isaac Chung, 2024), comme on les aime – c’est-à-dire filmé à l’ancienne, avec des effets sonores Dolby Atmos stratosphériques - remplit le contrat. Le réalisateur Lee Chung rend terriblement oppressantes ces masses d’air dévastatrices qui ne laissent rien sur leur passage, sinon des morts par dizaines et de la désolation.

Bien calé dans son fauteuil de cinéma on joue à se faire peur devant ces images d’une nature indomptable. Et puis ce blockbuster de l’été est un écrin idéal pour présenter en tête d’affiche celui qui va régner dorénavant sur le star-système hollywoodien : Glen Powell. Oubliez une fois pour toutes les bellâtres des vingt dernières années, car sont appelés sur le trône : Glen Powell donc, et Miles Teller (ils s’affrontaient dans Top Gun: Maverick en 2022), et puis Austin Butler (qui lui embrasait les écrans la même année 2022 dans Elvis de Baz Luhrmann) ; vous y ajoutez Timothée Chalamet (qui a mis tout le monde d’accord dans le sublime diptyque Dune et Dune : deuxième partie, 2021 et 2024, de Denis Villeneuve), et vous avez le Quinté gagnant (en 5e position vous pouvez mettre qui bon vous semble).

Les 4 cités sont de toute façon appelés à régner sur Hollywood pour les 10 prochaines années. Comme autrefois Gary Cooper, Clark Gable, Spencer Tracy et James Stewart quand ils se partageaient le gâteau dans les années 1940, nos nouveaux mousquetaires masculins du circuit ont atomisé la concurrence. Un film comme Twisters, qu’on peut aller voir en famille (aucune scène du film ne mettra personne dans l’embarras), est un véhicule calibré pour tester les amortisseurs de sa vedette masculine. D’accord, le monde brûle un peu partout, mais… The Show Must Go On les ami.es.

Le blockbuster de l’été est là pour nous réconcilier avec ce que nous aimions au cinéma auparavant : visualiser en super grand format des personnages charismatiques toujours enclins à aider son prochain, en traversant des épreuves auxquelles nous autres ne survivrions pas ; puis ils s’en vont à la fin dans le soleil couchant (ou presque, on se contentera ici d’une salle d’embarquement d’un aéroport de l’Oklahoma, et c’est bien aussi), main dans la main vers des lendemains qui chantent.

Par les temps qui courent, ce n’est pas si mal.

« 007 Spectre » (Sam Mendes, 2015)

 007 Spectre de Sam Mendes recèle tous les ingrédients pour en faire dès à présent un  film culte de la saga James Bond : acteur principal au meilleur de sa forme, James Bond Girls épatantes, scènes d’action à couper le souffle, bande son incandescente, photographie irréprochable, et un méchant d’anthologie (aka Christoph Waltz, loin des années Derrick) qui englobe tous ses prédécesseurs dans les arcanes du mal.

Daniel Craig incarne à la perfection ce super agent, as du MI6, mais pourtant de plus en plus enclin à la mélancolie, car en quatre films il laisse derrière lui une longue liste de morts (Verper Lynd, morte noyée dans Casino Royale, M, morte dans ses bras dans Skyfall, Mister White, mort par contrainte dans ce dernier film…), la liste est démesurément longue. Alors on ne s’étonne pas de la teneur rétro et nostalgique du long métrage, car tout concourt à en faire la conclusion d’un parcours du combattant à travers les mailles du SPECTRE.

James Bond n’a jamais été aussi élégant (le superbe smoking blanc dans la séquence anthologique du train lancé à toute allure dans les paysages d’Afrique du Sud), il n’a jamais été aussi sauvage au combat à mains nues (derechef la violente séquence de baston contre le tueur du SPECTRE incarné avec une classe tueuse par l’acteur Dave Bautista, clin d’oeil cool et référencé à Bons baisers de Russie), il n’a jamais été aussi séduisant, et Monica Bellucci et Léa Seydoux ne mettent pas longtemps à s’embraser. Et puis il y a un méchant véritablement effrayant, car derrière les manières onctueuses du chef du SPECTRE, on sent la plus folle des rages criminelles jamais mise en exergue dans un film de pur divertissement ; l’interprétation tout en nuances du génial Christoph Waltz n’y est évidemment pas pour rien.

Alors on peut se poser la question : les producteurs d’EON Pictures vont-ils aller dans une nouvelle direction la prochaine fois, totalement inédite, avec un nouvel acteur, de nouvelles perspectives de récit ? Car il semble difficile de faire mieux que 007 Spectre qui, je pense, est le plus beau Bond de la saga avec Goldfinger, L’Espion qui m’aimait et Skyfall.

Auront-ils le courage de choisir Idris Elba pour le prochain, étant donné que Daniel Craig ne semble pas presser de rempiler ? Et puis je fais une suggestion : pourquoi ne pas donner le rôle à … Ben Wishaw, le fameux Q, ce qui donnerait des perspectives complètement inédites pour la suite : un James Bond intello, un peu pleutre, un peu timide avec les filles… bref, un peu comme nous tous quoi !!

« 47 Ronin » (Carl Rinsch, 2013)

 Un enfant court dans la forêt à en perdre haleine ; ça vous rappelle quelque chose ? Effectivement,  ces images nous les avons déjà vues dans Conan le barbare de John Milius (1982). Cet enfant, échappant aux démons qui l’ont élevé, sera recueilli par le seigneur Asano et en grandissant prendra les traits du séduisant Keanu Reeves, qui restera malgré tout un « sang mêlé » et ne devra en aucun cas bouleverser le rituel de vie des samouraïs d’Asano. Les sangs mêlés, nous en avons déjà rencontré dans la saga d’Harry Potter et ils s’appelaient les sangs impurs. Passons. Le débonnaire seigneur Asano, un modèle de droiture et de bienveillance pour sa progéniture et ses samouraïs, reçoit le shogun de la région, lequel est accompagné du félon seigneur Kira, un rival redoutable accompagné d’une traîtresse sorcière qui se transforme en renard blanc quand ça lui chante. Mais ça notre beau et bon héros Kai (sous les traits de Keanu Reeves) le sait dès les premières minutes du film, n’a-t-il pas d’ailleurs été élevé par les démons de la forêt quand il était petit ? Cependant personne ne le croit, et surtout pas le général en chef d’Asano, le mutique et intègre samouraï Oïshi, interprété par le très convaincant acteur nippon Hiroyuki Sanada, dont la fierté blessée est un modèle d’interprétation au cordeau. Evidemment un complot va conduire à la mort du paisible Asano, et le film se change alors en histoire de vengeance, comme dans La fureur de vaincre de Lo Wei (1972) dans lequel Bruce Lee vengeait rageusement, jusqu’au sacrifice, son cher maître chinois assassiné par les japonais.

Sur le papier, malgré pas mal d’invraisemblance (ah bon ? Des sorcières jolies comme des coeurs mais méchantes comme la gale sillonnaient le Japon médiéval en toute impunité ?) le film du britannique Carl Erik Rinsch a tout du bon film d’aventures historiques plaisant à regarder. Plaisant à regarder, il l’est véritablement, tant la reconstitution soigneuse des paysages, des domaines des seigneurs et des ruelles des villages féodaux, comme autant de cartes postales chromatiques, est un émerveillement de chaque instant. La photographie du chef opérateur John Mathieson restitue à merveille les couleurs chatoyantes des paysages variés et enchanteurs. Là n’est pas le problème.

Le problème réside dans la vacuité qu’il y a à infuser des éléments surnaturels sur une intrigue tirée de l’histoire officielle d’un pays ou d’une civilisation. Ce phénomène désolant a envahi les intrigues de films depuis trop longtemps déjà, et décrédibilise toute tentative de reconstitution historique au cinéma : par exemple dans les 300 et sa suite La naissance d’un empire on devait se coltiner toute une panoplie de créatures grotesques issues de l’héroïc-fantasy la plus cheap ; dans 47 Ronin c’est la même chose, on y voit même un personnage de hollandais grimé comme s’il venait tout droit du plateau de tournage du nouveau Star Wars ; et après ça on s’étonne que les mômes soient nuls en histoire au collège !

Bref 47 Ronin n’est pas un mauvais film, loin s’en faut, il est même plutôt agréable à regarder, mais à force de nous proposer des scènes indigestes avec des créatures sans queue ni tête, on ne prendra plus pour agent comptant que La vie de Brian (1980) des Monthy Pythons comme modèle de vrai film historique retors ; c’est dire !