Direction d’orchestre et sentiments : « Tár » de Todd Field (2022)

Lydia Tár dirigeant l’Orchestre symphonique de Berlin.

On dirait que depuis un an ou deux les films-fleuves ont à nouveau la cote. Sortis sur nos écrans simultanément, deux productions américaines proposent chacune près de 3h de cinéma incandescent. Il s’agit de Babylon de Damien Chazelle et de Tár de Todd Field. Une tendance se dessine : pour renouer avec le public cinéphile d’autrefois, les cinéastes ont compris qu’il fallait revenir aux fondamentaux de l’exercice ; à savoir : raconter une histoire palpitante avec des actrices et des acteurs charismatiques, et ne pas négliger le travail formel sur l’image. Certain.e.s cinéastes ont enfin compris de quoi il retourne, qu’il faut laisser les phénomènes de mode aux plateformes de streaming payant. Les gens surconsomment et n’ont pas plus d’attachement que cela à l’esthétique. Sur les plateformes règnent les histoires à rallonge et le sensationnalisme sonore et visuel. Donc, il y a de la place pour le retour de la beauté au cinéma, et c’est une bonne nouvelle.

Le film Tár de Todd Field (États-Unis, Focus Features, 2023) rend haletante la vie quotidienne d’une femme chef d’orchestre. Lydia Tár, américaine, est à la tête du prestigieux Orchestre symphonique de Berlin, après avoir dirigé le Big Five, c’est-à-dire les orchestres symphoniques de New-York, de Boston, de Chicago, de Philadelphie et de Cleveland. Elle est unanimement considérée comme étant un génie de la musique. On la compare volontiers à Leonard Bernstein, son mentor, mais aussi à Wilhelm Furwäntgler, à Herbert von Karajan ou à Claudio Abbado.

Alors, qui d’autre que Cate Blanchett pour incarner à l’écran cette maestra next gen ? Évidemment, dans la vraie vie Lydia Tár n’existe pas. Pourtant l’actrice née à Melbourne en Australie, par sa performance rend l’existence de cette femme de pouvoir totalement crédible. Elle incarne par conséquent une artiste qui est le symbole de la réussite professionnelle, mais aussi son corollaire, l’arrogance, la manipulation charismatique et le népotisme, à cause d’une hubris de moins en moins mesurée et bientôt débordante.

Le film colle à une certaine actualité : celle de la médisance d’abord, puis des accusations sur les réseaux sociaux et sur les smartphones, quand n’importe qui se fait accusateur public, juge et bourreau. Une femme anticonformiste, qui est au-dessus de ses pairs dans la pratique de son art – la direction d’orchestre – va laisser apparaître petit à petit des fêlures, plus nombreuses qu’on ne croyait, dans l’ordonnancement de son mode de vie privilégié. La question qui se pose est : Lydia Tár est-elle une mauvaise personne, manipulatrice et vouant les êtres qui l’approchent de trop près à la destruction irrémédiable ? Des propos tenus sans filtre dans le cadre d’une Master-class à la Juilliard School, à New-York, puis un accès de népotisme dans la gouvernance artistique du Symphonique de Berlin, vont conduire la musicienne et l’interprète vers le point de bascule.

En 2h38 précisément nous assistons, impuissants, à la mise à feu, au déploiement, puis aux brusques embardées d’une trajectoire trop belle pour n’être pas marquée du sceau de l’infamie ou du déni. Ce film de Todd Field est remarquable car il nous dit qu’à trop se frotter aux vraies beautés artistiques, non seulement on se brûle, mais on répand aussi le feu destructeur tout autour de nous.

Décidément, en ce tout début d’année 2023, le cinéma qu’on aime par-dessus tout résiste vaillamment aux sirènes du marché audiovisuel décérébré.

 

Que sont les fées devenues ? : « The Banshees of Inisherin » de Martin McDonagh (2022)

Deux immenses comédiens, Colin Farrell et Brendan Gleeson, dans une merveille de film celte.

The Banshees of Inisherin est un film irlandais de Martin McDonagh, produit par les firmes Searchlight Pictures, Blueprint Pictures et Film 4, et distribué pendant la fin de l’année 2022.

Un jour de mars 1923, sur une petite île au large de l’Irlande, Colm Doherty décide de ne plus adresser la parole à son meilleur ami, Pádraic Sullivan. Ce dernier, au début surpris, ensuite de plus en plus décontenancé, cherche à savoir pourquoi Colm a pris cette décision. Et sur l’île tout le monde cherche à savoir si les deux amis ne se seraient pas fâchés, un soir plus arrosé que les autres par le whiskey et les pintes de bière brune.

Ce film écrit et réalisé par le cinéaste irlandais Martin McDonagh (qui nous avait gratifiés en 2008 d’un génial Bons Baisers de Bruges) ausculte une relation amicale qui tourne au fiasco. Les deux amis qui ne se comprennent plus sur cette île désolée sont interprétés par les grands, très grands Colin Farrell et Brendan Gleeson. D’ailleurs le rôle de Pádraic, l’ami délaissé, a valu à Mister Farrell le prix d’interprétation masculine au Festival de cinéma de Venise l’an dernier (édition 2022). Les images somptueuses du chef opérateur Ben Davis de cette nature irlandaise resplendissante, couplées à une musique celte du meilleur effet de la part du compositeur Carter Burwell, sont l’écrin idéal pour raconter cette histoire inattendue, à la trame simple comme bonjour : pourquoi, un jour, quelqu’un décide de ne plus avoir d’affection pour quelqu’un d’autre ?

Pendant que ce mini-drame intimiste se joue, sur la grande île d’Irlande, un autre a lieu, beaucoup plus ample : la guerre civile oppose les irlandais entre eux, catholiques contre protestants. Alors un des personnages dit : c’était mieux quand nous autres irlandais avions le même ennemi, les anglais. Sur la toile de fond de la guerre civile qui déchire les familles, deux hommes à l’écart du monde et de ses préoccupations religieuses et géopolitiques, ne se comprennent plus. Aux tourments de la guerre en grand, va succéder l’incompréhension entre deux êtres humains que tout rapprochait encore le jour d’avant. Entre eux, il y a la présence lumineuse de la sœur de Pádraic, la douce et très intelligente Siobhán, qui doit faire tout son possible, pour que la situation ne dégénère pas.

Ce très beau film irlandais, merveilleusement interprété par Miss Kerry Condon et Misters Colin Farrell et Brendan Gleeson, nous fait prendre conscience d’une chose, une seule : en France, est-on seulement capable aujourd’hui de réaliser un film aussi sensible, généreux et délicat ?

Une nouvelle héroïne pour les kids : « Wednesday » de Tim Burton (2022)

L’incandescente Jenna Ortega incarne à la perfection Wednesday Addams.

Une lycéenne est inadaptée au monde d’aujourd’hui : pendant que son petit frère est enfermé dans son casier par les brutes de l’établissement, elle le venge en lâchant des piranhas dans la piscine où ces abrutis s’entraînent. Ni une, ni deux la jeune fille, qui se prénomme Wednesday, est virée du lycée ; alors ses parents, Morticia Addams et Guzman, décident qu’elle ira elle aussi dans la pension Nevermore, dans laquelle ils furent éduqués étant jeunes. Bien entendu, Wednesday, au début, rechigne, puis finalement, elle va se rendre compte qu’il y a tellement d’énigmes à résoudre à Nevermore.

C’est sur ce postulat – celui de l’enfance aux prises avec une normalité monstrueuse – que Tim Burton tresse avec la maestria qu’on lui connaît un entrelac de filets narratifs qui pose l’éternelle question : en quoi suis-je différent, et pourquoi ? Car à force de revendiquer son étrangeté n’en vient-on pas à ressembler un peu à tout le monde, dans une époque où la singularité de chacun est portée fièrement en étendard ?

Dans le 1^er épisode Wednesday est fière de se comporter comme une chipie arrogante, fière de ses attributs gothiques, car elle a des visions, comme sa maman Morticia au même âge ; mais comme elle est aussi une adolescente rebelle, elle ne veut surtout pas lui ressembler. Et au début, la pension Nevermore est beaucoup trop connotée : Morticia y était trente ans auparavant la championne d’escrime et la figure de proue de la société secrète des Belladones. Wednesday demande plus à la vie qu’être une pâle imitation de maman. Alors, dans les tréfonds de sa conscience, elle va puiser la matière noire qui lui fera supporter le chaos, le désordre, l’angoisse des temps qui redistribuent une histoire éternelle : celle de la domination des plus faibles, des plus petits par les dominants, les fous religieux, ceux qui pensent pouvoir dicter aux autres ce qu’il faut dire et ce qu’il faut faire.

400 ans auparavant un massacre a eu lieu : des pèlerins du nouveau monde ont fait brûler vif dans un sanctuaire celles et ceux qui s’écartaient du dogme monothéiste. Wednesday (mercredi en français – quel joli prénom) découvre tout cela et elle trouve sa quête par la même occasion : elle veut réparer le monde blessé, elle va utiliser ses dons païens pour soigner les blessures profondes.

Tim Burton, génie de l’image et de la composition picturale au cinéma, dresse un monument télévisuel réconfortant pour apaiser les âmes blessées par la brutalité du monde.

En cela, il est à sa manière le Père Noël dont nous avons besoin aujourd’hui.

Une chasse au meurtrier sur le fleuve en majesté : « Mort sur le Nil » (2022)

 Dans les années 1970 la mode était aux films de prestige qui réunissaient une distribution époustouflante. Et puis quoi de mieux qu’une croisière à bord d’un paquebot, espace clos par définition, pour ausculter la nature humaine ?

Qu’il s’agisse d’une catastrophe maritime, comme dans L’Aventure du Poséidon de Ronald Neame (The Poseidon Adventure, 1972, États-Unis, 20th Century Fox/Irwin Allen Productions), de catastrophes naturelles ou accidentelles comme dans Tremblement de terre de Mark Robson (Earthquake, 1974, États-Unis, Universal Pictures) ou dans La Tour infernale de John Guillermin (The Towering Inferno, 1974, États-Unis, 20th Century Fox), ou bien de meurtres perpétrés dans un train ou un navire de luxe, comme dans Le Crime de l’Orient-Express de Sidney Lumet (Murder on the Orient Express, 1974, Royaume-Uni, EMI Films) ou encore dans Mort sur le Nil de John Guillermin (Death on the Nile, 1978, Royaume-Uni, EMI Films), à chaque fois on a plaisir à suivre les démêlés de tous ces personnages arrogants, suffisants, qui mettent en perspective cette leçon immémoriale : quand ça barde quelque part, la générosité, la délicatesse et le soin aux autres ne vont jamais de soi. Des personnalités affligeantes prennent la tête du groupe des survivantes et des survivants, et celle ou celui qui tient un discours différent est bien vite écarté.e.

Kenneth Branagh est un amoureux convaincu de ces films crème chantilly, qui étalent à l’écran des moyens de production considérables. Et puis, si vous n’êtes pas convaincus, attendez de voir ce que le maître ès science-fiction James Cameron va nous proposer dans quelques semaines : car avec La Voie de l’eau, n’en déplaise aux grincheux, pas mal de pendules vont être remises à l’heure.

En attendant savourons dans nos confortables canapés ce que l’impeccable director Kenneth Branagh nous offre dans son opulente Mort sur le Nil circa 2022 (Death on the Nile, États-Unis/Royaume-Uni, 20th Century Studios/Scott Free Productions) : à savoir les tours et les détours d’un détective privé majestueux, le célèbre Hercule Poirot, pour découvrir la vérité. Qui a tué qui, comment et pourquoi ?

Dans des paysages sublimes, le long de travellings dorés à l’or fin, des actrices et des acteurs qui font partie de la fine fleur aristocratique – en matière d’acting – hollywoodienne s’en donnent à cœur joie pour nous tenir en éveil jusqu’au dénouement. Et puis quoi de plus ciné-génique que cette terre historique d’Égypte qui en a vu passer des royaumes, des personnages hauts en couleur, des péripéties aussi, et que tout cela amuse énormément.

Les momies encore ensevelies dans les sites funéraires en ont de bien belles à se raconter.

Mort sur le Nil, au classicisme british totalement assumé, est le film parfait à regarder en famille, au coin du feu, pendant les fêtes de fin d’année.

The Movie Hunter présente : « Interceptor » (2022)

 En ces temps mouvementés de menaces nucléaires entre puissances possédant des ogives atomiques, et qui veulent en découdre (Russie, États-Unis, France et Royaume-Uni), quoi de mieux, pour affronter sa peur de l’Apocalypse, que de se laisser prendre par les circonvolutions de Matthew Reilly, un réalisateur australien de 48 ans.

Dans Interceptor (Australie/États-Unis, Netflix, 2022), huis-clos à haute-tension  qui se déroule entièrement sur une plateforme maritime de silos nucléaires, le suspense est à son comble 1h39 durant : Elsa Pataky, en vaillante capitaine spécialiste en armes stratégiques de l’US Army, se retrouve coincée dans la salle des opérations face à des terroristes qui veulent lancer 16 ogives nucléaires sur les 16 plus grandes villes des États-Unis. Seul en mesure de l’aider, la caporal Raoul, un intellectuel à lunettes qui n’a plus utilisé la moindre arme depuis ses  classes, nous laisse penser que notre vaillante capitaine J.J. passe effectivement une sale journée.

Bon, eh bien, ce sont sur les plateformes désormais, qu’on peut visionner tous ces films d’action géniaux qu’on aimait jadis et qui faisaient les délices des salles de cinéma de quartier et des zones rurales. Aujourd’hui, en 2022, ces films ne sont plus distribués au cinéma – du moins en France. Avant que la publicité ne vienne faire son apparition et jouer les trouble-fêtes sur Netflix dès 2023, il faut profiter de ces séries B d’action. Elles rejouent l’éternel combat entre un héros ou une héroïne défendant les dernières valeurs chères à notre social-démocratie et des fous-furieux qui provoquent le chaos.

Ici, il s’agit de mettre hors d’état de nuire des Américains cinglés qui ont passé un pacte avec des Russes belliqueux. On y apprend aussi de bien bonnes choses propres à l’ingénierie nucléaire militaire, et puis Elsa Pataky, fort convaincante, reprend le rôle laissé vacant par Sigourney Weaver depuis l’abandon des aventures du Lieutenant Ellen Ripley dans l’espace.

Ce film de Matthew Reilly, judicieusement titré Interceptor (du nom des missiles défensifs appelés à neutraliser les ogives ennemies qui voudraient nous réduire en poussière), est à rapprocher d’une autre production Netflix du moment ; qui elle aussi est un huis-clos mettant aux prises un agent de la DEA amnésique avec les membres ultra-violents d’un Cartel de Sonora, au Mexique, dans une clinique. L’impeccable Josh Duhamel, accompagné par une agente de la CIA (interprétée avec beaucoup de classe par la stupéfiante Abbie Cornish), reprend, lui aussi, le flambeau des Action-Heroes des années 1980, pour notre plus grand plaisir.

Nous reparlerons, bien entendu, de Blackout (États-Unis, Patriot Pictures/Netflix, 2022) de Sam Marconi au prochain épisode.

To be continued…

« Le Cours de la vie » de Frédéric Sojcher (2023)

Agnès Jaoui, une actrice en majesté dans le 5e long-métrage de Frédéric Sojcher.

Dans le cadre du 25e festival Indépendance(s) & Création [à Auch et dans le Gers, du 5 au 9 octobre 2022 - www.cine32.com] :

Projeté en avant-première publique et nationale le jeudi 6 octobre 2022 dans la Salle 3 de Ciné 32 à Auch, Le Cours de la vie, 5e long-métrage du réalisateur belge Frédéric Sojcher, a fait l’unanimité auprès d’un public cinéphile aguerri, et très enthousiaste.

Le film, qui est la mise en images, en musique (de Vladimir Cosma) et en sons d’un scénario d’Alain Layrac, nous amène dans le sillage d’une scénariste parisienne célèbre qui vient animer, l’espace d’une journée, une Master-classe sur son métier, devant des élèves en cinéma de l’ENSAV [École nationale supérieure de l'audiovisuel] à Toulouse. Autrefois, quand elle était beaucoup plus jeune, cette scénariste (jouée à la perfection par Agnès Jaoui) a vécu en couple avec le directeur de l’école, interprété tout en retenue par Jonathan Zaccaï. Et ce dernier l’a invitée à rencontrer ses étudiant.e.s.

D’ailleurs, dès l’incipit du film (ou son ouverture – comme à l’opéra), qui est une merveille d’inventivité séquentielle et rythmique, on suit Agnès Jaoui, forclose à l’intérieur de son taxi qui la mène vers le centre-ville toulousain, à côté de Saint-Sernin, rue du Taur, jusque dans les locaux de l’école, où l’attend l’assistante du directeur, jouée par Géraldine Nakache, toute en pétulance bienvenue. Et on ne la lâchera plus. Car ce film est aussi un portrait naturaliste et vibrant d’une actrice et scénariste au travail.

Ceci posé, et de manière magistrale, Frédéric Sojcher va nous amener, par petites touches enregistrées par la caméra de cinéma, à essayer d’évaluer quelle est la teneur du lien qui unissait autrefois la scénariste célébrée et son vieil ami perdu de vue depuis près de trente ans. Car ce directeur d’école de cinéma paraît bien esseulé, à cause des tracas que la vie lui inflige : il ne sait pas trop pourquoi il a envie de quitter sa femme, Céline, libraire, et puis il y a sa fille adolescente aussi, lycéenne à Saint-Sernin, à deux pas de son bureau à l’ENSAV, qui accuse le coup à cause des indécisions de son père.

En s’appuyant sur le solide scénario d’Alain Layrac, composé à partir de son propre manuel d’écriture adapté pour le cinéma, Frédéric Sojcher nous enjoint à nous remémorer, toutes et tous, les petits détails intimes, fédérateurs, discrets mais puissants, qui font le sel de la vie : la délicatesse du sentiment, l’émotion à fleur de visage, les regards bienveillants qui en disent long, la douleur toujours présente mais apaisée par la douceur des mots et des images qui enveloppent et soignent tout à la fois.

Avec la complicité de son vieux camarade de cinéma Alain Layrac, Frédéric Sojcher a réalisé, en toute discrétion, une merveille de film, délicat, fin, nuancé et sincère ; lequel résistera au temps et deviendra, sans nul doute, avec la patine des années, la pièce maîtresse de notre cinémathèque intérieure.

 

 

 

Les films Netflix : [#2] « End of the Road » (2022)

 Une mère de famille, Brenda, se retrouve veuve, avec ses deux enfants à charge, une adolescente et un garçon d’une dizaine d’années très éveillé. Son mari est mort trois mois auparavant, emporté par un cancer. La chimiothérapie utilisée pour essayer de le guérir a englouti les économies du foyer, et ne l’a pas sauvé. Brenda est par conséquent contrainte de vendre leur maison de Los Angeles, et de venir se réfugier chez sa mère avec ses enfants et son frère immature. Le voyage de L.A. à Houston, au Texas, s’effectuera en 3 jours. C’est ce que dit Brenda à sa mère au téléphone dès les premières minutes du film. Cette dernière leur souhaite bon voyage et de ne surtout pas hésiter à l’appeler si quelque chose clochait. Et bien entendu, ça va clocher. Sévèrement.

Nous sommes en 2022, aux États-Unis, entre Los Angeles et Houston, quelque part sur les routes en Arizona, et une famille de la classe moyenne qui est en train de faire son deuil, va vivre en une poignée de jours et de nuits la désolation et la furie. Il s’agit d’un vigilante movie dans lequel sont retournés les arguments terrifiants qui étaient exposés dans les films de ce genre des années 1970. Les vigilante movies des années 1970 mettaient en scène des personnages WASP violentés par des individus peu recommandables, souvent ethnicisés.

Mais aujourd’hui une famille afro-américaine se fait violenter par ces mêmes personnages WASP qui ne sont plus les modèles sociaux qu’on érigeait en modèle 40 à 50 ans auparavant. Depuis la présidence Nixon, le monde, et les États-Unis en premier lieu, ont changé. Une classe moyenne afro-américaine s’est insérée dans les cadres civiques de l’Union, et c’est heureux. Mais celles et ceux qui ont refusé l’évolution de leur société (le shérif et son épouse, encore plus cinglée que lui) se sont réfugiés dans la violence la plus sourde et dans l’extrémisme sauvage le plus abject. Pour combattre cette gangrène sociale, une mère de famille aimante, paisible, va devoir se transformer en Foxy Brown (Jack Hill, American International Pictures, États-Unis, 1974) pour sauver ses enfants, son frère, et pour survivre au deuil qui l’étreint.

End of the Road (Millicent Shelton, 42/Edmonds Entertainment/Flavor Unit Entertainment, États-Unis, 2022) reprend les cadres thématiques posés il y a quelques années déjà par le génial cinéaste Jordan Peele. Et les renforce avec une image léchée, une composition du cadre aux petits oignons et ce sens de la répartie (les dialogues sont amusants et permettent de respirer au milieu d’une atmosphère anxiogène) qui nous fait suivre les péripéties de cette famille attachante jusqu’au bout.

Le vigilante movie, quand c’est bien pensé, bien posé et bien dosé, c’est quand même autre chose que nos sempiternelles comédies françaises de l’été, non ?

Les films Disney+ : [#1] un prédateur chez les Comanches, « Prey » (2022)

 Prey (Dan Trachtenberg, États-Unis, 20th Century Studios, 2022) nous embarque dans les Grandes Plaines, pendant le XVIIe siècle, au cœur de la Nation Comanche. La caméra de Dan Trachtenberg, le réalisateur, suit pas à pas Naru, une jeune Comanche intrépide. Naru passe le plus clair de son temps à observer la nature et à chasser à l’extérieur du campement. Elle évolue, en compagnie de son fidèle chien de garde Saari, au sein d’une nature majestueuse mais non avare de dangers : on y rencontre inopinément des pumas, des ours, des trappeurs patibulaires, et même une sorte de prédateur fortissimo ; et pour certaines et certains, c’est justement lorsqu’arrive la confrontation entre notre Comanche et un Predator particulièrement bestial, que le bât blesse.

Effectivement, faire coïncider la 7^e aventure des Predators au cinéma avec le récit chatoyant d’une aventure initiatique au sein de la Nation Comanche, est une gageure. Pour comprendre la démarche, il faut faire un pas de côté et se pencher sur l’histoire récente d’Hollywood et de l’entertainment aux États-Unis et au Canada.

La plupart des executives des studios et des plateformes de films & séries – celles et ceux qui sont en poste à l’heure actuelle – ont biberonné au cinéma des années 1980 et 1990. Pendant ces deux décennies fondamentales pour le cinéma de divertissement, les films de genre ont acquis une légitimité spectaculaire ; des films comme E.T. l’extra-terrestre de Steven Spielberg (États-Unis, Universal Pictures/Amblin Entertainment, 1982), The Thing de John Carpenter (États-Unis, Universal Pictures, 1982), Conan le barbare de John Milius (États-Unis/Mexique, Universal Pictures/Dino De Laurentiis Company/Pressman Film, 1982) ou encore Terminator de James Cameron (Royaume-Uni/États-Unis, Pacific Western Productions, 1984) ont renversé la table. Désormais le goût du public pour des œuvres magnifiquement mises en scène et en images allait changer pour toujours l’imaginaire collectif : la tête dans les étoiles et l’esprit en ébullition devant des visions cauchemardesques d’un futur terrifiant dans lequel ce qui restait d’humanité devait mener un combat à mort face à des machines terrifiantes, les spectatrices et spectateurs des golden eighties n’envisageraient plus d’aller au cinéma sans qu’on leur offre au quotidien des images monumentales aux effets spéciaux assourdissants, en serrant fort, jusqu’à la rupture, le pot de pop-corn de taille XXL.

Une nouvelle culture populaire s’est faite jour à ce moment-là.

à suivre…

Quand l’anarchie se matérialisait en musique : « Pistol » (2022)

Le quatuor à ses débuts, vers 1976, quand Sid n’avait pas encore rejoint la formation.

Pour s’attaquer à un monument de la musique populaire anglaise de la fin des années 1970, il fallait avant tout réunir une brochette de comédiennes et de comédiens exceptionnels. Pour la production, diligentée par la chaîne FX Network, il ne fallait pas se louper : car pour interpréter Sid Vicious, John Lydon, Steve Jones, Paul Cook, Glen Matlock et Chrissie Hynde il fallait des jeunes gens à la hauteur. Et la première chose que l’on constate en visionnant les 6 épisodes de Pistol c’est que chacun d’entre eux incarne avec justesse – et un charisme fou – cette pléiade de jeunes voyous qui révolutionnèrent l’espace musical anglo-saxon en une poignée d’années seulement (de 1976 à 1979 environ, pour faire court).

Assister, bien que de manière fictive, à l’audition d’un John Lydon pour le poste de chanteur, qu’on croirait tout droit sorti d’un centre de redressement, alors qu’il n’y a pas plus fils à maman que ce charmant garçon, ou encore voir se nouer une relation d’estime réciproque entre le voyou au grand cœur Steve Jones et la future reine de la rock music Chrissie Hynde, qui n’a pas encore rencontré ses Pretenders, donne le tempo d’une série qui reprend le flambeau là où l’avait laissé choir Martin Scorsese à la fin du dernier épisode de la première et ultime saison de Vinyl (États-Unis, HBO, 2016).

Pistol (États-Unis, FX Productions, 2022) est une mini-série en 6 épisodes qui retrace le parcours fulgurant des Sex Pistols, le groupe de punk définitif diront certains. Mouais, diront certaines autres qui préfèrent assurément The Clash, The Damned ou The Stranglers.

Question de goût et d’éducation aussi, assurément. Car suivre tous ces groupes en concert, entre 1976 et 1980, à Londres puis dans le nord de l’Angleterre, quand ils partaient en tournée, relevait du sport de combat, tant les anti-punks et anti-punkettes étaient légion en Albion.

C’est de cela que parle Pistol, cette série réalisée par Danny Boyle basée sur les mémoires du guitariste Steve Jones (vous pensez qu’il est objectif le bougre, mouais, allons donc mes ladies !), qui règle quelques comptes quand même avec le milieu sordide de la musique qui vend beaucoup de disques à des kids qui n’ont tout simplement pas les moyens de se les acheter.

Mais ne boudez pas votre plaisir : one, two, three, four… Here’s the Sex Pistols !

The Movie Hunter présente : « The Batman » (2022)

 

Robert Pattinson, stupéfiant de charisme et de noblesse, incarne à la perfection le justicier masqué.

Pour commencer, il faut aller droit au but : oui, ce nouveau film qui relate les aventures de la Chauve-souris gothique est une totale réussite. Car il s’agit d’un tour de force, à savoir renouveler de fond en comble toute la mythologie filmique propre à ce personnage ambigu de super-héros, qui n’en est pas un, et cela à l’intérieur d’un long-métrage de 3 heures, de facture classique.

The Batman (États-Unis, Warner Bros./6th & Idaho Productions/DC Comics, 2022) de Matt Reeves, est en effet, et avant tout, un film d’enquêtes policières (qui tue qui, et pourquoi ?) qui synthétise magistralement 90 années de films noirs hollywoodiens (depuis les premières bobines produites par la Warner Bros. dans les années 1930 qui ont inventées le film noir américain).

Personnage typiquement nord-américain (déchirer le trauma originel de l’assassinat programmé de ses parents en devenant à son tour une menace bodybuildée, ivre de vengeance) The Batman, dans cette version du génial réalisateur américain Matt Reeves (né le 27 avril 1966 à Rockville Center, dans l’État de New-York, USA – sources = site internet IMDB), comprend que la voie du tabassage systématique de tout ce que compte Gotham City de fous furieux dégénérés ne résoudra jamais complètement le problème. Un problème dantesque qui repose sur cette question, primordiale : sur combien de cadavres repose une Cité, une Ville, un Territoire ?

La merveilleuse actrice américaine Zoë Kravitz incarne avec subtilité l’iconique Selina Kyle, alias Catwoman.

Rome se fonde sur le meurtre de Rémus par Romulus en 753 av. J.-C. (Tite-Live, Les Origines de Rome), Sparte se construit sur la mise en esclavage de ses périèques pour étendre sa domination sur le Péloponnèse à l’époque archaïque, et les Basileus de Constantinople, dès le Ve siècle de notre ère, en pourfendant leurs voisins orientaux par le glaive, poussent ces derniers à lui contester sa suprématie de Nouvelle Rome. Gotham est elle aussi le cœur en fusion de ce monde qui n’est pas tout à fait le nôtre, mais qui est en train de le devenir à grand pas. Un monde opaque, dangereux, dans lequel les institutions vacillent, sans qu’on puisse trouver un remède nulle part…

 … à suivre.