Ciné 90 : (#6) « Danger immédiat »

Au début de Danger immédiat (Clear and Present Danger, 1994) de Phillip Noyce, un brillant analyste de la CIA, Jack Ryan, qui travaille sur le site de Langley, en Virginie, est mandaté à Washington par son supérieur hiérarchique James Greer. Il doit faire un rapport circonstancié sur l’assassinat sauvage de toute la famille Hardin, proche du président des États-Unis en exercice, à bord de leur yacht. Très vite on accuse un cartel de Cali dans l’entourage du président. Cependant, un faisceau d’indices laisse entrevoir une vérité beaucoup plus troublante. Et puis, Ritter et Cutter, 2 sinistres individus qui contrôlent le Renseignement et qui ont leur rond de serviette au Bureau Ovale, ont pris en grippe ce satané Ryan.

Ainsi commence cette 3e aventure époustouflante du célèbre analyste de la CIA créé par le romancier américain Tom Clancy. Et une fois de plus, c’est au génial réalisateur australien Phillip Noyce de mettre en images les tribulations de Jack Ryan entre les bureaux feutrés de la Maison Blanche et la jungle colombienne. Et on se demande bien, à la vue de ce qui arrive à Harrison Ford dans la peau de l’analyste (impeccable comme toujours dans ses films ébouriffants des années 1980 et 1990), lesquels de ces endroits sont les plus dangereux finalement ?

Déjà, au tout début de la décennie 1990, le réalisateur américain John Mc Tiernan avait tracé le sillon : il avait mis en scène la toute première aventure cinématographique de Ryan. Ça s’appelait À la poursuite d’Octobre Rouge (The Hunt for Red October, 1990) et c’était un pur film de studio, éblouissant à souhait, dans lequel s’affrontaient le jeune Alec Baldwin et un Sean Connery au sommet de son art. Deux ans après, Phillip Noyce était engagé par le même studio, Paramount, pour mettre en images à son tour l’époustouflant Jeux de guerre (Patriot Games, 1992) dans lequel le très charismatique Harrison Ford, auréolé de ses choix judicieux de carrière tout au long des années 1970 et 1980, amorçait lui aussi la décennie qui s’offrait à lui avec des rôles qui entreraient dans la légende : Jack Ryan à 2 reprises certes, mais aussi le docteur Richard Kimble dans Le Fugitif (1993) d’Andrew Davis, le policier new-yorkais d’origine irlandaise Tom O’Meara dans Ennemis rapprochés (1997) d’Alan J. Pakula, le président des États-Unis James Marshall dans Air Force One (1997) de Wolfgang Petersen, le pilote aventurier Quinn Harris dans la formidable comédie d’aventures Six jours, sept nuits (1998) d’Ivan Reitman, ou encore, dans un contre-emploi, le troublant professeur d’université Dr. Norman Spencer dans le terrifiant Apparences (2000) de Robert Zemeckis.

Après le succès phénoménal de Jeux de guerre, qui réinventa le blockbuster surpuissant, Phillip Noyce montait en gammes et proposait un nouvel opus encore plus novateur. Si bien que la séquence du guet-apens à Bogota a été décortiquée en long, en large et en travers dans de nombreuses écoles du renseignement, afin de savoir quoi faire quand ce genre de désagréments vous arrive pleine face !

Il est plus que temps de découvrir de quels matériaux brûlants étaient constitués les films hollywoodiens des années 1990. Car ils ont inventé un style de narration visuelle d’une lisibilité incroyable. Et certain.es de nos apprenti.es cinéastes feraient bien de se pencher avec intérêt sur le découpage et comment les scènes étaient montées afin de s’approprier ce dispositif d’écriture filmique terriblement efficace. Qu’est-ce que vous enseignent vos professeur.es de cinéma dans vos écoles prestigieuses ? Comment construire un film avec amour, passion et acharnement ? Ou bien quelle est la meilleure manière de présenter vos projets filmiques dans les rencontres mondaines ?

 

 

Ciné 90 : (#5) « Innocent Blood »

Il était une fois une jeune actrice de cinéma, française, qui, au début de la décennie 90, avait fracassé le box-office. C’était dans une production Gaumont pilotée par Luc Besson, un jeune metteur en scène de cinéma au succès foudroyant. Le film s’intitulait Nikita (France/Italie, Gaumont/Les Films du Loup, 1990) et son actrice principale s’appelait Anne Parillaud. Elle s’y prenait à merveille pour exécuter des contrats (dessouder des mectons au fusil à lunettes), pour le compte d’une Agence gouvernementale française (non, il ne s’agit pas d’EDF ni de la SNCF). Avec ce rôle incandescent, la jeune actrice de 30 ans enflamma le cœur ardent de toute une génération de cinéphiles. Si bien que de l’autre côté de l’Atlantique, l’immense John Landis s’éprit d’elle à son tour.

Et il lui offrit 2 ans plus tard le leader character dans un film fantastique qu’il désirait mettre en scène. Il s’agissait d’Innocent Blood (1992), une comédie horrifique dans laquelle une jeune et sensuelle vampire donnait du fil à retordre aux mafiosi de Boston.

Curieusement, John Landis ne s’était pas encore attaqué au registre du film de vampires. Pourtant il avait offert un chef d’œuvre indémodable au film de loup-garou avec Le Loup-garou de Londres (An American Werewolf in London, Royaume-Uni/États-Unis, Polygram Pictures, 1981) dix ans plus tôt. Mais le début des années 1990 était au revival chez les suceurs de sang : pendant que son confrère Francis Ford Coppola mettait en chantier son Bram Stoker’s Dracula (Royaume-Uni/États-Unis, American Zoetrope/Columbia Pictures/Osiris Films, 1992) John Landis usinait son Innocent Blood (États-Unis, Warner Bros., 1992).

C’était en réalité un prétexte pour filmer le plus amoureusement du monde sa divine actrice Anne Parillaud, dans la beauté éclatante de ses 32 printemps. Anne Parillaud n’a jamais été aussi belle, aussi sensuelle, aussi magnifiquement filmée que dans cette comédie d’horreur irrésistible. On tombe instantanément sous le charme de la belle Anne dès les premières secondes du générique de début, quand en voix off elle nous susurre à l’oreille combien il est difficile de se faire une place la nuit, au milieu du monde interlope des crapules et des jouisseurs.

On peut voir ce film comme s’il était une version alternative de Nikita, les tics de mise en scène en moins ; car John Landis n’a pas besoin d’imiter le cinéma américain de divertissement, il est, à lui seul, ce cinéma-là (et sa filmographie toute entière parle pour lui : Les Blues Brothers en 1980, Un fauteuil pour deux en 1983, Série noire pour une nuit blanche et Drôles d’espions en 1985, Trois Amigos en 1986, et Un prince à New York en 1988). Lui seul peut-être a su dépoussiérer avec élégance et un sens effréné du rythme les canevas de la comédie américaine soignée. Alors en 1992 John Landis filme sa princesse française avec le même amour qui ruisselait lorsque Jean Grémillon emprisonnait Michèle Morgan et Madeleine Renaud dans sa boîte à images, dans Remorques (France, 1941), le plus beau film du monde.

Qu’est-ce qui fait la beauté ensorcelante d’un film ? La rencontre esthétique entre celle ou celui qui tient la caméra et son alter-égo qui y fait face et consent.

En cela Innocent Blood est le témoignage magique de la rencontre entre une cinématographie du surréel anglo-saxon et l’incarnation du naturalisme français à son meilleur. Il s’agit d’un amour de film, qui est un écrin parfait pour une merveilleuse actrice de cinéma : Anne Parillaud l’incandescente.

Les westerns mythiques : [#3] « Tombstone » (1993)

Les solides interprètes masculins de ce très beau western au classicisme parfaitement assumé : Val Kilmer, Kurt Russell, Bill Paxton et Sam Elliott.

Filmer une nouvelle fois la geste d’anciens représentants de la loi, qui affrontèrent en 1879 une bande de mercenaires sociopathes, permettait durant les années 1990 de revisiter un moment fort de la mythologie des États-Unis. C’est ce qu’a entrepris le réalisateur américain d’origine grecque George Pan Cosmatos dans son impeccable Tombstone (États-Unis, Dolby Stereo, Technicolor) en 1993.

Pendant cette décennie miraculeuse pour le cinéma hollywoodien, on s’occupait de redynamiser le mythe des figures incontournables de l’Ouest : le réalisateur baroudeur Walter Hill proposait la même année que Tombstone sa vision des faits et gestes de Geronimo (Geronimo : An American Legend, États-Unis, Dolby Stereo, 70 mm prints, Panavision anamorphique, 1993), tandis que Kevin Costner s’intéressait aux Sioux dans Danse avec les loups (Dances with Wolves, États-Unis/Royaume-Uni, Panavision anamorphique, 70 mm, 1990)  et que Lawrence Kasdan s’intéressait lui-aussi au fameux règlement de compte à OK Corral un après la proposition de Pan Cosmatos, dans son téméraire (et sublime également) Wyatt Earp (États-Unis, Dolby, Technicolor, Panavision anamorphique, 1994.

Avant que le vingtième siècle ne laisse sa place au suivant, il fallait faire à Hollywood un dernier tour d’horizon dans les pays des plaines et des empires Apaches, Comanches et Sioux. Il fallait revoir de plus près la geste des nations indiennes, et puis celle aussi des colons des vastes territoires du Centre et de l’Ouest, il fallait parfaire sa connaissance des événements historiques avec lesquels s’était édifiée la civilisation des États-Unis d’Amérique.

George Pan Cosmatos a décidé de raconter l’histoire de ce fameux règlement de compte à OK Corral en jouant avec un classicisme maîtrisé sur les interactions qui se développèrent entre les différents protagonistes : par exemple la relation de franche camaraderie qui existe entre les 3 frères Earp est nuancée par la distance qui s’opère entre les 2 belles-sœurs et la compagne inquiète de Wyatt. D’autre part la relation d’amitié qui soutient le partenariat guerrier entre Wyatt Earp et la plus fine gâchette de l’Ouest Doc Holliday, est contrebalancée par la progression, tout au long du film, de la tuberculose de ce dernier.

L’ombre de la mort, violente, fatidique, imprescriptible, accompagne chaque plan du film, car dès les premières minutes nous assistons au massacre d’un federale mexicain et de toute sa famille au moment de son mariage, sur le perron de son église. Les hors-la-loi ne respectent plus les saints sacrements, et vont transporter leur ignominie de l’autre côté du Rio Grande. Les foulards rouges préfigurent  les rivières de sang qui couleront bientôt dans le corral de Tombstone.

Mais à Hollywood filmer une histoire, aussi passionnante soit-elle, c’est avant tout filmer des visages, des postures, des attitudes, et aussi des conversations.

Pour cela il faut avoir en sa possession de magnifiques comédiennes comme Dana Delany, Paula Malcomson, Lisa Collins, et Dana Wheeler-Nicholson, qui toutes quatre ensemble sont de la carrure d’une Gene Tierney ou d’une Veronica Lake. Ensuite Kurt Russell, Val Kilmer et Michael Biehn par exemple, n’ont jamais été aussi magnétiques et ardents. 

Ciné 90 : (#4) « Le Silence des agneaux »

Le silence des agneaux (The Silence of The Lambs, 1991) est un film produit par Orion Pictures Corporation pour le compte de la M.G.M. Il sort sur les écrans français le 10 avril 1991 et il devient très vite la parfaite illustration de la rencontre miraculeuse entre un réalisateur américain à son meilleur (Jonathan Demme), une histoire sensationnelle du romancier Thomas Harris, une actrice américaine surdouée (Jodie Foster) et un acteur britannique (Anthony Hopkins) au charisme terrifiant . Honnêtement, qui aurait misé, au tout début de la décennie 90, sur un réalisateur new-yorkais plutôt arty âgé de 47 ans au moment du tournage, pour ouvrir en majesté le bal des films horrifiques et de suspense qui allaient faire exploser le box-office mondial ?

Mais grâce à lui le grand public redécouvrait une ravissante comédienne de 29 ans, née à Los Angeles, Californie, le 19 novembre 1962 : Jodie Foster. Cette actrice était au cœur du métier et de la machinerie hollywoodienne depuis un certain temps déjà : elle n’avait que 14 ans quand elle interprétait le rôle polémique de la prostituée Iris Steensma dans la Palme d’Or du Festival de Cannes 1976 Taxi Driver (Taxi Driver, Martin Scorsese, États-Unis, 1976).

Pour Jodie Foster la consécration arrive avec son interprétation de l’agent spécial du F.B.I. Clarice Starling. En jouant cette jeune élève de l’Académie qui forme les futurs agents spéciaux du Federal Bureau of Investigation, Jodie Foster invente un personnage jamais vu à l’écran auparavant : celui d’une jeune femme déterminée à vaincre coûte que coûte ses peurs les plus primordiales, les plus originelles.

So long, Sean

L’immense Sean Connery en compagnie de la délicieuse Lois Maxwell pendant le tournage de « Dr. No » (1962)

La plupart du temps on pense qu’on a passé un cap, on pense que les années accumulées au compteur nous ont éloigné de l’enfant que nous étions. Notre vie d’adulte, qui se déroule néanmoins dans le décor d’un monde brisé, nous amène irrémédiablement vers des rivages incertains. Mais on croit dur comme fer être en possession de la boussole qui nous permet de garder ce cap. Nous n’aimons pas avoir peur, nous n’aimons pas être blessé, nous n’envisageons pas de disparaître sans que cela génère une immense souffrance chez celles et ceux qui nous aiment éperdument. Les solstices et les équinoxes peuvent bien nous enseigner le contraire, nous refusons de quitter cette scène inquiète sans en connaître le dénouement.

La disparition de Sean Connery m’a fait prendre conscience à quel point j’avais aimé ses films, à quel point ces films-là m’avaient accompagné sans que je m’en rende compte pendant mes années d’enfance et d’adolescence, vouées à découvrir l’immensité de l’univers cinématographique. Pendant mon enfance j’ai vu tous les films de James Bond interprétés par Sean, qui avaient tous été tournés durant la décennie qui précédait ma naissance. Mais pour ne pas me dédire je dois avouer que j’étais beaucoup plus attiré par les James Bond Movies incarnés par Roger Moore. Seulement, la patine du temps aidant, je me suis vite rendu compte que l’interprétation du personnage de 007 par Sean était – comment dire cela le plus précisément possible – habitée par une grâce naturelle, un charme félin qui, aux yeux d’un enfant d’une dizaine d’années à peine, recelait une mystérieuse aura de danger venimeux. Le personnage de Bond interprété par Sean n’était pas spécialement sympathique pour un kid de la campagne gersoise éperdu de cinéma – celui de Roger Moore l’était à contrario.

Mais avec les années notre cinéphilie s’étoffait, se précisait, s’allongeait, et alors nous découvrîmes, émerveillé.e.s, les très grands films dans lesquels Sean avait montré toute sa superbe : Pas de printemps pour Marnie d’Alfred Hitchcock, 1964 ; La Colline des hommes perdus de Sidney Lumet, 1965 ; Traître sur commande de Martin Ritt, 1970 ou encore Cuba de Richard Lester, 1979, etc… À ce moment-là je ne savais pas qu’il s’était efforcé de garder son accent écossais en toutes circonstances de tournage. Il est plaisant de savoir que Sean a tourné tous les dialogues du Nom de la rose (Der Name der Rose, Jean-Jacques Annaud, Allemagne de l’Ouest/Italie/France, 1986), par exemple, avec son accent inimitable.

Sean Connery était un dieu de cinéma, il n’y qu’à considérer la liste des metteurs en scène prestigieux avec lesquels il a tourné pour s’en convaincre : Terence Young, Alfred Hitchcock, Basil Dearden, Guy Hamilton, Sidney Lumet, Irvin Kershner, Lewis Gilbert, Edward Dmytryk, Martin Ritt, John Boorman, John Huston, John Milius, Richard Lester, Richard C. Sarafian, Richard Attenborough, Michael Crichton, Ronald Neame, Peter Hyams, Terry Gilliam, Richard Brooks, Fred Zinnemann, Jean-Jacques Annaud, Russell Mulcahy, Brian De Palma, Steven Spielberg, et Gus Van Sant.

Nous ne verrons pas de sitôt une telle stature au cinéma, car les codes de la représentation ont tellement changé depuis l’époque (1962) où il endossait pour la première fois le costume de cet agent des services secrets britanniques dont personne ne savait ce que cela donnerait de bon sur un écran de cinéma (James Bond 007 contre Dr. No, Dr. No, Terence Young, Royaume-Uni, 1962).

Les films de cinéma sont fabriqués avec la matière même de nos rêves, de nos illusions, de nos atermoiements, de nos petites et grandes lâchetés, mais surtout avec nos grandes espérances. Les films de cinéma résistent au temps car ils fixent pour l’éternité l’image en sels d’aluminium de ce que nous aurions, toutes et tous, pu devenir si seulement on nous avait donné confiance en nous au moment de nos jeunes vies. Mais tous les cadres structurels, institutionnels, de la société humaine dans laquelle les éducateurs avaient pour mission de nous dresser n’avaient jamais envisagé que nous pourrions tomber fou amoureux de Marylin Monroe, de Montgomery Clift ou d’Elisabeth Taylor. Cet amour-là ne s’éteint qu’avec le dernier souffle de vie.

 

Un acteur nommé Jim Carrey [#2]

Jim Carrey a joué à deux reprises le personnage d’Ace Ventura, qui exerce la profession loufoque de détective animalier. Il s’agit d’un détective privé qui se lance sur la trace d’animaux domestiques disparus. Il vit à Miami en loyer, dans un appartement qui regorge d’animaux à la fois domestiques et totalement sauvages. On trouve dans le tas des écureuils, des ratons-laveurs, un singe ouistiti (lequel aura un rôle un peu plus étoffé dans le second opus), un toucan, et j’en passe…

L’affiche originale du film.

Dans Ace Ventura, détective pour chiens et chats ( Ace Ventura : Pet Detective, Tom Shadyac, États-Unis, 1994) la responsable de la communication du club de football des Miami Dolphins l’embauche pour retrouver la trace de la mascotte de l’équipe, un dauphin vivant baptisé Flocon de neige. Ace Ventura, tout excentrique qu’il est, à la limite quand même de la débilité la plus profonde et la plus gênante, surtout pour celles et ceux qui l’accompagnent (voir à cet effet la scène hilarante dans laquelle il parle avec son c… à un policier catastrophé ; il fallait quand même oser le faire en 1994 dans un film mainsteam pensé au départ pour les enfants.), ridiculise à tout instant les forces de police de Miami qui le prennent pour un branquignol de la pire espèce.

Jim Carrey se permet des choses inimaginables dans un film tous publics, car son humour n’est pas familial, il est basé sur la méchanceté, la mauvaise foi, la scatologie, l’excrémentiel et bien évidemment le sexe. Pour preuve, dans la séquence dans la chambre de l’appartement où le hors champ nous fait comprendre qu’Ace Ventura s’envoie en l’air avec enthousiasme dans le lit avec la géniale Courtenay Cox, une fois les deux amants filmés en plongée côte à côte dans le pieu, la jeune femme avoue avoir joui au moins 3 fois, alors son partenaire rétorque : « ça m’arrive rarement ». Il marque un temps d’arrêt, avant d’ajouter, un sourire radieux sur le visage : « Je dois être fatigué ». Quel autre acteur, au milieu des années 90, peut se permettre ça, avec ce visage juvénile, cette coupe de cheveux totalement délirante, une démarche qui oscille entre celle du neuneu intégral et celle du mec à la coule arrogant, tête à claques mais qui emballe toutes les filles sublimes sur son passage (il met dans son lit Courteney Cox et se fait sexuellement harceler par Sean Young, excusez du peu) ?

Un an après, devant le succès phénoménal de cette première aventure d’Ace Ventura (exactement 107 217 396 dollars de recette à travers le le monde – sources = IMDB, actualisé le 07/08/2020), Jim Carrey revient dans Ace Ventura en Afrique (Ace Ventura : When Nature Calls, Steve Oedekerk, États-Unis, 1995). Cette suite va rapporter le double d’argent : les recettes totalisées à travers le monde à la fin de son exploitation seront précisément de  212 385 533 dollars (sources = IMDB, actualisé le 07/08/2020). Ce nouvel épisode est tout aussi déjanté que  le précédent ; cette fois un colon britannique d’un pays imaginaire africain retrouve la trace d’Ace Ventura, lequel s’est volontairement retiré du monde au Tibet dans une lamaserie. Effectivement, quelques temps auparavant, il n’a pas digéré d’avoir laissé tomber un raton laveur dans le vide, depuis un pont suspendu. Le britannique somme Ace Ventura de venir avec lui en Afrique, au Nibia [pays imaginaire, vous l'aviez deviné], pour aider le peuple débonnaire des Wachatis à retrouver leur idole sacrée, une chauve-souris, qui leur a été dérobée pour empêcher le mariage de la fille du chef de la tribu avec un vaillant guerrier d’une tribu concurrente, celle des Wachootoos. Bien sûr il faut prendre cette nouvelle aventure du désopilant détective au millionième degré, sans quoi on sera atterré par les relents profondément racistes, misogynes et homophobes du film. Un tel film pourrait-il sortir sur nos écrans aujourd’hui ? Je ne pense pas car le monde a changé, nos sociétés se sont figées dans des positions en chiens de fusil qui n’admettent plus le rire gras, celui qui colle, qui éclabousse mais n’en reste pas moins totalement inoffensif.

Photomaton extraordinaire du comédien canadien.

Il n’y aura certainement jamais de troisième épisode des aventures déjantées et totalement anachroniques de ce détective pour animaux. Ace Ventura est un personnage fantasque totalement délirant, qui voue une haine féroce aux êtres humains, et n’a de la considération que pour les animaux, ses semblables, ses égaux en douleur et en affliction. Le monde dangereux dans lequel nous vivons aujourd’hui, dans lequel chacun a quelqu’un à détester et à poursuivre de sa haine, est une terre aride, infertile, où les films d’autrefois n’ont plus leur place.

Le charme puissant du divertissement a été rompu, la magie n’opère plus nulle part car ils ont fini par tuer les deux licornes sacrées de ce film époustouflant : Legend, Ridley Scott, États-Unis, 1985. Ce monde désormais a détourné les yeux de ce qui il y a trente ans ou quarante ans en arrière donnait tout son sens à un enfant : la bonté, la douceur, la gentillesse, et la récompense pour celles et ceux qui avaient appris à aimer, sans jamais faire preuve d’animosité. Les films Amblin n’existent plus, les films de John Hugues n’existent plus et les dernières idoles en sucre Candy ont elles aussi fini par rendre l’âme.

Le cinéma y-a-t-il seulement survécu ?

Un acteur nommé Jim Carrey [#1]

Jim Carrey est un génie comique, c’est entendu. Cependant son humour n’est pas spécialement adapté au public francophone. Car, avec les grimaces qu’il fait tout au long de ses films, et avec les différents accents qu’il emprunte pour ses rôles, on est quand même loin des mimiques et des onomatopées de notre Louis de Funès national, dont la rediffusion des films sur le réseau hertzien a fait un tabac pendant le confinement.

Si on s’amuse à cheminer dans la filmographie, à ce jour quand même impressionnante, du comédien comique canadien, on va vite se rendre compte d’une chose, et elle est essentielle pour comprendre les ressorts dramaturgiques de cet acteur exceptionnel : Jim Carrey s’est évertué pendant tout son parcours artistique à tuer la beauté plastique de son visage et de son corps. Dans un film comme The Mask (Chuck Russell, États-Unis,1994) ce n’est pas son personnage humain qui est séduisant et qui emballe la fille-canon sculpturale (interprétée avec gourmandise par la ravissante Cameron Diaz), mais bien son double invraisemblable, son avatar ; il peut bien danser tout son saoul avec elle, vivre des aventures palpitantes et dangereuses en sa compagnie, au final ce n’est pas le personnage de Stanley Ipkiss qu’elle embrasse avec passion, mais un visage vert qui n’a rien de bien attrayant.

Jim Carrey est un acteur de cinéma qui se grime, et dont les avatars à l’écran ont acquis une notoriété mondiale (Le Grinch, How The Grinch Stole Christmas, Ron Howard, États-Unis/Allemagne, 2000). Et cette notoriété mondiale, écrasante dans les années 1990, a été difficile à négocier ; il a vécu, comme les deux autres stars du cinéma mondialisée de son envergure, Tom Cruise et Johnny Depp, les mêmes affres, il a côtoyé les mêmes abîmes, il a lui aussi touché le fond et a plongé dans une dépression de laquelle il aurait pu ne jamais se relever.

Après le film sublime qu’il a tourné pour Milos Forman, Man On The Moon (Royaume-Uni/Allemagne/Japon/États-Unis, 1999), Jim Carrey a compris qu’il était devenu un acteur exceptionnel, mais qu’il avait laissé sur le chemin hyper calibré de la gloire hollywoodienne son identité en route.

À suivre…

Ciné 90 : (#2) « L’Enfer »

Paul aime Nelly. Il l’épouse. Ils tiennent une auberge-hôtel dans le Sud de la France (entre Revel et Castelnaudary pour être plus précis), et peu à peu, sans qu’on comprenne pourquoi, Paul va devenir fou. Fou de jalousie. Sa femme, Nelly, va devenir le vecteur d’un problème existentiel, corrompu par la belle lumière, brûlante, du Midi.

Exercice de résolution psychanalytique de haute volée, L’Enfer (1994) de Claude Chabrol part du film inachevé d’Henri-Georges Clouzot et des essais lumière de Romy Schneider pour nous présenter sa vision du couple au milieu des années 90 en France. Et quel couple ! Campé avec classe par un jeune François Cluzet, qui ressemble à Sami Frey dans César et Rosalie (1972) de Claude Sautet, et une Emmanuelle Béart resplendissante de beauté solaire et de magnétisme animal foudroyant, ce couple ressuscite les grandes unions du cinéma français : on pense bien sûr à Yves Montand et Romy Schneider, à Gérard Depardieu et Catherine Deneuve, ou encore à Olivier Martinez et Juliette Binoche dans le trop sous-estimé Le Hussard sur le toit de Jean-Paul Rappeneau, sorti un an après L’Enfer, en 1995.

D’ailleurs on comprend finalement assez vite pourquoi Paul crève de jalousie : sa femme, Nelly, est érotiquement chargée par les électrons du plaisir et de la sensualité, inconsciente en même temps de son potentiel sexuel sur les autres mâles qui gravitent dans son giron. Alors le pauvre Paul, stressé à cause de la gérance de son hôtel, va s’imaginer des choses ; et les images mentales de Paul – des gros plans sur le visage sublime d’Emmanuelle Béart en train d’aguicher le quidam – vont précipiter ce dernier dans la folie la plus destructrice, la plus malséante.

Mais le roué Claude Chabrol nous fait douter jusqu’au bout : n’assistons-nous pas plutôt à la lente formation d’une psyché révoquée, encombrée, celle de Paul, qui s’imagine des choses qui n’existent pas, qui n’ont peut-être jamais existé ailleurs que dans son esprit tourmenté ? Le dernier plan du film, sur le visage de Paul qui se parle à lui-mêle, pose la question suivante : que font les hommes face à l’énigme du corps des femmes ? Sinon le briser, sinon le nier, sinon le rompre ?

Et le metteur en scène français n’oublie pas non plus la fulgurance qu’il y a à filmer un rasoir (attribut de la puissance masculine) non loin d’un beau visage de femme, et se souvient d’Angie Dickinson dans le troublant Pulsions (1980) de Brian de Palma.

L’Enfer est pour le coup un des meilleurs Chabrol de la décennie 90 avec Madame Bovary (1991), Betty (1992), et La Cérémonie (1995), à revoir toutes affaires cessantes juste avant l’été qui vient.