Ciné 90 : (#10) « Thelma & Louise »

 

Thelma Dickinson et Louise Sawyer sont deux copines inséparables qui vivent dans la même ville de l’Arkansas. Thelma est une jeune femme mariée au foyer. Elle n’a pas d’enfant et elle confie à Louise que son mari, Darryl, n’en veut pas à cause de son immaturité. Louise, elle, est serveuse dans un diner et a une relation amoureuse compliquée avec Jimmy Lennox, une sorte de voyou immature lui aussi. Elle n’a pas d’enfant non plus.

Bienvenus à toutes et à tous dans le monde cruel des Desperate Housewives treize ans avant la diffusion télé de la série du même nom (8 saisons, de 2004 à 2012).

En quelques scènes irrésistibles (Thelma chez elle au moment du petit déjeuner, pendant que son mari, veule à souhait, s’apprête à aller au boulot ; Louise en plein service, jonglant entre le téléphone et les clients à contenter en plein rush de service) le réalisateur britannique Ridley Scott, qui était alors en perte de vitesse au box-office à ce moment-là de sa carrière (en 1991), mais pas du point de vue artistique – nous y reviendrons, dresse le portrait de deux femmes que nous allons irrésistiblement aimer.

Avoir confié les rôles de Thelma et Louise à Geena Davis et à Susan Sarandon relève aujourd’hui de l’évidence. Elles sont toutes les deux magistrales dans leur capacité à incarner, le plus naturellement du monde, sans effort apparent, ces deux types de personnage : Thelma semble être une jeune femme écervelée vivant sous l’emprise de son mari, un pauvre type qui ne la mérite pas ; Louise semble avoir davantage les pieds sur terre, mais ne s’en sort pas mieux avec son mec. Elles ont décidé de passer un week-end ensemble loin de leurs hommes, et de s’éclater dans un bungalow, en pleine nature, avec de la picole comme seule compagnie. Oui, mais voilà, la route est dangereuse pour deux femmes seules en cet endroit du monde dit civilisé, aux confins de l’Arkansas, de l’Oklahoma et du Texas. On ne s’approche pas impunément de la frontière avec le Mexique sans y laisser des plumes (les indiens en savaient quelque chose).

Ridley Scott, génial réalisateur, est un entomologiste de l’espèce humaine. En utilisant le téléobjectif, qu’il braque sur les beaux visages de Geena et de Susan, il révèle les rêves enfouis sous la carapace de chaque jour : Thelma est une outlaw et ne le savait pas ; Louise est une femme de caractère mais cache des blessures secrètes qui la détruisent irrémédiablement.

Thelma & Louise (1991), ce très beau film de Ridley Scott, dont une des photos de tournage a illustré la magnifique affiche du Festival de Cannes 2026, a montré l’ampleur du talent inouï de ce cinéaste qui avait à son actif deux chefs-d’œuvre de la science-fiction : Alien. Le Huitième passager (1979) et Blade Runner (1982). Cependant, les critiques l’avaient un peu trop vite enterré, pensant avoir à faire à un fabricant d’images colorées et superficielles, pour ne pas dire inoffensives. Seulement, avec la patine des années, ses films suivants, Legend (1985), Traquée (1987), et Black Rain (1989) sont devenus des références cinéphiliques incontournables dans leur genre respectif : la fantasy, le polar et le thriller. C’est plutôt après la réussite totale de Thelma & Louise que la carrière de Ridley Scott s’enlise avec 1492 : Christophe Colomb (1992), Lame de fond (1996), et À armes égales (1997). C’est, coup pour coup, son spectaculaire péplum Gladiator en 2000 (que les deux grands spécialistes français de la Rome antique, Lucien Jerphagnon et Paul Veyne, aimaient à la folie) et Hannibal et La Chute du faucon noir en 2001 qui vont redorer son blason de réalisateur incontournable.

Alors, Thelma & Louise, ce film admirable, clôture t’il sa première période, incandescente, commencée en fanfare avec son drame napoléonien Les Duellistes en 1977 ? Ou bien ouvre t’il sa deuxième période, celle d’une complète réinvention de son cinéma ?

Le débat reste ouvert…

À suivre…

 

Les films Netflix : (#2) « Don’t Look Up: Déni cosmique »

 

Le titre du film est une injonction : Ne regardez pas là-haut ! Et pourquoi ça ? Car une comète, baptisée Dibiasky, découverte six mois plus tôt par un astronome de l’université Michigan State et par sa doctorante, fonce droit vers la Terre. Rien, ni personne, ne saurait vraisemblablement l’arrêter. Si jamais il percute notre planète, cet objet stellaire géocroiseur, d’une envergure de 6 à 10 kilomètres, signerait l’extinction irrémédiable de l’espèce humaine. Mais au vu des réactions délirantes que suscite l’événement à venir, on se demande si au final ce ne serait pas une bonne chose que ça nous arrive.

Cette production Netflix de 2021, scénarisée et réalisée par l’américain Adam McKay, est une pépite à plus d’un titre : elle mêle habilement film catastrophe, comédie à la manière des sketches du Saturday Night Live, film d’anticipation anxiogène et rom-com dont Netflix raffole. Et puis, avec la réélection de Donald Trump à la Maison Blanche (non, pas celle qui abrite l’équipe du Real Madrid) il y a presque deux ans, cette satire féroce du monde politico-médiatique dont nous sommes les pigeons consentants (n’aimons nous pas nous abreuver des images à flux continu de nos chaînes d’infos préférés ?) est diablement troussée : Meryl Streep s’amuse et nous amuse à incarner une Trump au féminin, inconséquente, retorse, machiavélique et tête en l’air au moment où il ne faut surtout pas l’être (son directeur de cabinet de fils, génialement interprété par Jonah Hill, a l’éternité devant lui pour en mesurer toutes les conséquences) ; Mark Rylance incarne un ersatz de multi milliardaire complètement allumé et Cate Blanchett est géniale dans son rôle de grande prêtresse de l’infotainment qui met dans son lit qui elle veut, quand elle veut. Et puis il y a le binôme gagnant Jennifer Lawrence/Leonardo DiCaprio : Leo, dans ses choix de rôle, donne une idée de la prodigieuse vitalité de sa carrière, car en trente années d’activité au sommet il n’a pas commis de faux pas préjudiciable, tant ses rôles sont soigneusement choisis et préparés. Il tourne moins que ses confrères, certes, mais c’est toujours mûrement réfléchi. Il excelle particulièrement dans ce rôle d’obscur professeur d’astronomie qui va devenir bien malgré lui un lanceur d’alertes sexy et adulé. Au grand dam de ses proches. Jennifer Lawrence, elle, nous révèle une facette de son talent qu’on ne soupçonnait pas : elle est un pur génie comique ; c’est elle qui m’a fait le plus rire tout au long du film, car elle est drôle à la manière d’un Peter Sellers ou d’un Steve Martin, ce qui montre l’étendue de sa performance.

Il faut à tout pris regarder Don’t Look Up: Déni cosmique, cette comédie d’anticipation, car elle nous permet de mieux comprendre ce qui nous arriverait si une telle catastrophe devait se produire… en attendant que des extraterrestres bienveillants veuillent bien nous sauver, pourquoi pas ? Pour cela il faut attendre le prochain film de Steven Spielberg, Disclosure Day, pour se remettre de la scène finale de Don’t Look Up, tellement belle et traumatisante à la fois.

Ciné 70 : (#2) « Guet-apens »

 

Au moment de la sortie du film Guet-apens (The Getaway) en 1972, il reste huit ans à vivre à l’acteur masculin principal, Steve McQueen. Il se sait condamné. Mais ce film-là, ce rôle-là, avec cette interprète féminine à ses côtés, la puissante actrice Ali McGraw, sera son chant du cygne.

D’un matériau classique et archi usé (la préparation du braquage d’une banque avec des colistiers imposés par un malfrat, puis l’affaire qui tourne court), le réalisateur américain Sam Peckinpah livre une composition baroque, dans laquelle les tirs au fusil à pompe se mêlent aux dialogues minimalistes. Les différents personnages sont dessinés avec la caméra d’un trait vigoureux. La brune est une tough girl qui n’a pas froid aux yeux, et c’est elle en fin de compte l’héroïne du film. Car elle ne laisse jamais tomber, même quand la situation semble désespérée. Elle se sacrifie pour faire sortir son mari de prison. Elle est violentée par son Doc McCoy qui crève à petit feu de jalousie mal digérée. Mais c’est elle seule qui lui sauve la vie. Pendant ce temps la blonde du film, la femme du vétérinaire, s’humilie avec l’antagoniste, une brute épaisse qui, comme un tueur mécanique, se relève toujours alors qu’on le croyait mort. La course-poursuite entre les malfrats et le Doc et sa femme, à travers les paysages arides du Texas et du Mexique, symbolisent l’errance dans laquelle furent plongés les États-Unis d’Amérique après l’assassinat de leur président à Dallas, neuf ans plus tôt.

Dans les premières bobines, quand Doc surveille, en compagnie de sa femme, les allées et venues des employés de la banque qu’il s’apprête à cambrioler, dans un mouvement de caméra en plongée, Peckinpah rejoue le traumatisme national de l’assassinat de JFK. Le film témoigne de cet élan crépusculaire qui a alimenté la machine à fantasmes hollywoodienne. On était en 1972 au cœur du réacteur de ce nouveau cinéma porté à bout de caméra par les Jeunes Turcs (Spielberg, Coppola, Scorsese, De Palma, Friedkin, et les autres) de la nouvelle donne cinéphilique.

Peckinpah, ce vieux roublard, se frotte à eux et propose sa version des faits : dorénavant, il s’agit de foutre le camp, de mettre le cap vers ce Sud mythique qui n’existe pas, celui de l’Eldorado des Conquistadores violents et névrosés. Au même moment (toujours en 1972), un autre allumé de la caméra, Werner Herzog, filme une fuite en avant mortifère dans Aguirre, la colère de Dieu.

Qui peut revenir sain et sauf d’une telle embardée, en ce début des années 1970 qui redéfinissent en profondeur le spectacle cinématographique hollywoodien ? Il faudra attendre 1979, c’est-à-dire la fin de la décennie, pour que ce vieux rusé de Don Siegel apporte un semblant de réponse dans son très beau L’Évadé d’Alcatraz, en compagnie de Clint Eastwood et de Patrick McGoohan.

On a pu prétendre que Sam Peckinpah était un marginal de la profession. C’est totalement faux, le beau diable a toujours œuvré dans le cœur même du système de production audiovisuelle états-unienne ; il dynamite les conventions, mais toujours à l’intérieur d’un cadre parfaitement orthonormé. Peckinpah réalise ses films avec l’aval de ses acteurs et de ses actrices ; il les filme frontalement, sans faux-semblants, et ils en redemandent.

Puissant morceau de bravoure, film nerveux et rythmé par la superbe partition de Quincy Jones et la somptueuse photographie de Lucien Ballard, The Getaway devient dès sa sortie sur les écrans, en 1972, un classique instantané, en même temps que le véhicule idéal pour abriter les amours XXL de son couple de stars McGraw/McQueen, ou le mariage du feu et du… feu.

Un an plus tard, Steve McQueen nous offrira un nouveau morceau de bravoure dans Papillon (1973), de Franklin J. Schaffner, cette fois en compagnie de Dustin Hoffman… Histoire à suivre.

Le film événement de cette fin d’année 2025

Sydney Sweeney incarne Millie Calloway, l’iconique Femme de ménage.

Il s’agit de La Femme de ménage, sorti en France la veille de Noël (le 24 décembre 2025), et réalisé par Paul Feig.

Si les chiffres d’exploitation du cinéma en salle, en France, ont été moins bons cette année que l’an dernier (181 millions d’entrées en 2024 contre 150 millions au 24 décembre 2025) , deux films de fin d’année vont redresser la barre : Avatar 3 : de feu et de cendres de James Cameron et La Femme de ménage de Paul Feig. Ils sont en train, tous les deux, de drainer une foule considérable dans les salles de cinéma. C’est la très bonne nouvelle de cette fin d’année. Deux films ambitieux ramènent les gens au cinéma. On ne s’en plaindra pas.

La Femme de ménage est donc réalisé par un solide cinéaste de 63 ans, originaire du Michigan, qui compte dans sa filmographie de belles réussites comme Mes meilleures amies en 2011, Spy en 2015 ou encore sa relecture féministe bienvenue de S.O.S Fantômes en 2016. Il s’agit d’un réalisateur de comédies qui fait une incursion très attendue dans le registre noir.

C’est dire si Paul Feig était attendu au tournant avec cette adaptation du phénomène littéraire de l’écrivaine américaine Freida McFadden. Car donner sa propre vision d’un tel succès de librairie, qui dépasse l’entendement, recèle bien des pièges : les fans de la série de livres écrits par la romancière de 45 ans, nombreux à travers le monde, vont guetter chaque faux pas, chaque incohérence, chaque trahison, puis se lâcher sur les réseaux sociaux. Mais aucune inquiétude, Paul a fait du très, très bon boulot. Et puis Paul est un malin : il a conseillé d’aller voir son film avant de lire le roman.

L’art visuel du cinéma de pur divertissement repose sur le glamour de ses interprètes, et Paul Feig n’a commis aucune erreur de casting : ses deux personnages féminins sont idéalement distribués. Amanda Seyfried est géniale dans le rôle de Nina Winchester, et Sydney Sweeney, dans le rôle de Millie Calloway, la femme de ménage du titre, est à la hauteur de sa partenaire de jeu (elle a d’ailleurs été choisie pour être la nouvelle Barbarella au cinéma – nous suivrons cela de très près). Quant au beau gosse de service, qui interprète le mari, Andrew Winchester, il s’agit de Brandon Sklenar, un jeune acteur américain de 35 ans à suivre. Il était d’ailleurs amusant, à la sortie de la projection, d’entendre le commentaire dithyrambique des spectatrices à propos des deux actrices, dont le magnétisme a marqué chaque spectateur du film.

La Femme de ménage est un thriller domestique, et de la plus belle eau, qui, par bien des côtés, m’a fait penser à trois réussites du genre, qui en sont aussi les maîtres-étalon : La Main sur le berceau (1991) de Curtis Hanson, Les Nuits avec mon ennemi (1991) de Joseph Ruben, et JF partagerait appartement (1992) de Barbet Schroeder. Cette Femme de ménage apporte une pierre de plus, et pas n’importe laquelle, à l’édifice.

Il ne me reste plus qu’à visionner, pendant ces fêtes de fin d’année cinéphiliques, le remake que propose Disney de La Main sur le berceau, réalisé cette année par Michelle Garza Cervera pour Disney+, avant de vous en parler très prochainement.

En attendant, joyeuses fêtes à toutes et à tous !

Ciné 90 : (#9) « American History X »

© Neflix France

Ce film du réalisateur anglais Tony Kaye, sorti sur les écrans en 1998, résonne d’une manière particulière aujourd’hui. Même si la société américaine était déjà terriblement fracturée (le film se déroule peu après le passage à tabac de Rodney King par des policiers du LAPD, sur le bord d’une autoroute interurbaine de Los Angeles, le 3 mars 1991), cela concernait en premier lieu des groupuscules et des communautés qui se vouaient une haine farouche. Le gouvernement US n’était pas encore piloté par des énergumènes qui allaient faire passer la concorde, la civilité et la rationalité humaine pour des reliques du passé, trente ans plus tard.

American History X met en opposition deux communautés pas franchement friendly qui ne se veulent pas du bien, à travers le parcours symétrique de deux frères, un qui est lycéen, et l’autre, l’aîné, qui est dans la vie active. Le plus âgé des deux, Derek, est l’activiste premium d’un groupuscule néo-nazi particulièrement violent. Les ennemis jurés de ce groupe unitaire de blancs décérébrés sont des jeunes afro-américains appartenant au gang des Crips, pas des tendres eux non plus. Ce petit monde ne cesse jamais de se provoquer dans les rues brûlantes du quartier angeleno de Pomona.

Le drame vient très vite percuter la narration. En alternant séquences en noir & blanc et en couleur, en truffant son film de ralentis significatifs sur les gros plans des visages, et sur les plans d’ensemble de toute beauté qui mettent en valeur tout le cast, le réalisateur britannique Tony Kaye signe le film coup de poing des années 1990. Toute sa mise en scène est d’une précision démoniaque, et chaque spectatrice, chaque spectateur de ce film singulier reste scotché à son siège ou à son canapé. Il ne nous laisse pas respirer tellement le déroulé narratif oriente toutes les actions décisives des personnages vers le nœud gordien. Il ne faut pas en dire plus, sous peine de déflorer l’intrigue.

Ce film, en compagnie de quelques autres comme La Haine (1995) de Mathieu Kassovitz, Tueurs nés (1994) d’Oliver Stone, American Psycho (2000) de Mary Harron et le remarquable Detroit (2017) de Kathryn Bigelow, a infusé dans la culture filmique de ces trois dernières décennies l’idée selon laquelle le cinéma pouvait nous aider à comprendre la déréliction de nos sociétés contemporaines.

Mention spéciale à l’immense acteur américain Elliott Gould (l’acteur fétiche de Robert Altman) qui incarne avec justesse et humanité un homme amoureux qui sera néanmoins anéanti par le fanatisme délirant du fils aîné de la femme qu’il aime. Il ne faut pas oublier non plus les partitions exceptionnelles d’Edward Norton (le rôle lui a valu une nomination à l’oscar du meilleur acteur cette année-là), de la légende Stacy Keach et de l’exceptionnel Avery Brooks dans le rôle du professeur humaniste Bob Sweeney, qui ne veut pas laisser la haine raciale gagner.

Aujourd’hui plus que jamais, American History X mérite d’être vu. Car il résonne étrangement avec notre actualité sociétale et encourage la discussion qui, seule, permettra de comprendre, puis d’endiguer ce qui ne va pas, afin d’annihiler les maux qui blessent et qui tuent.

Ce film est actuellement au catalogue de Netflix France.

Les westerns mythiques : (#7) « L’Appât » d’Anthony Mann

Janet Leigh et James Stewart, incandescents, dans ce sublime western du grand Anthony Mann.

  Un homme en traque un autre dans les paysages inhospitaliers (éboulements, grottes, cours d’eau indomptés, falaises abruptes) des Rocky Mountains, dans le Colorado. Au tout début du film, avec l’aide d’un vieux chercheur d’or qui n’a jamais trouvé le moindre filon exploitable, et avec le concours d’un soldat de la Cavalerie démissionnaire aux tendances sadiques et racistes, Jimmy Stewart, obsédé par sa mission jusqu’à la folie, met la main sur le fuyard Ben, lequel essayait d’échapper à son poursuivant avec une jeune femme ingénue à ses côtés.

  Dans ce chef-d’œuvre absolu du premier siècle du cinéma, aucun des cinq personnages avec lesquels nous chevauchons pendant 90 minutes hypnotiques, ne semble être celui ou celle qu’il prétend être. Le cavalier démissionnaire est en fin de compte un fou furieux, et la séquence de la fusillade avec la cohorte de Cheyennes nous le prouve par l’absurde ; le traqué interprété par Robert Ryan fait bonne figure mais tout dans sa mise et dans ses modulations de voix alerte sur ses intentions (même s’il a les poignets liés pendant les 3/4 du film on sent l’air se raréfier à chaque fois que la caméra s’approche de lui) ; le traqueur, qui a les traits de ce bon Jimmy Stewart, semble être engoncé dans une obsession qui tourne au cauchemar ; le vieux chercheur d’or plein de bon sens, se révèlera au final être un candide et un nigaud de première catégorie ; reste le personnage féminin, incarné à la perfection par la meilleure actrice du monde dans les années 1950 en compagnie de Marylin Monroe (Ô Niagara/1953, Ô Rivière sans retour/1954) Janet Leigh, qui à elle seule incarnera le cinéma moderne dans le Psycho (1960) de Sir Alfred Hitchcock : la fragile blonde à cheveux courts incarne dans The Naked Spur l’esprit de bonté et de résilience. Elle a été une femme malmenée par la vie, orpheline, accrochée aux basque d’un voyou brutal (Ben) et elle prend fait et cause pour ce traqueur, Kemp, qui n’est pas même un Marshall. Il s’agit juste d’un méprisable mercenaire qui n’a pas digéré d’avoir été abandonné par sa femme au temps de la Guerre de Sécession, pour laquelle il combattait dans les Armées du Nord.

  Inutile d’en dire plus. The Naked Spur (1953) abolit toutes les gloses, tous les commentaires. Ce film est redécouvert intégralement à chaque visionnage. Il est indémodable car chacune de ses images, chacun de ses dialogues, chaque intonation dans le jeu de ses acteurs et de son actrice invente un procédé. Chaque séquence de ce film est une œuvre en soi sur laquelle on peut passer des heures et des heures à interpréter, à penser, à divaguer, à créer, car tout y est pensé, ordonné, mesuré et accompli. L’Appât (le titre français est aussi un beau titre, certes moins percutant que l’original) demeure ce film immense, ce western à la splendeur inentamée, qui nous a fait aimer à tout jamais le beau et grand cinéma américain humaniste. Il s’agit aussi d’une production de la Metro, celle qu’aimaient Godard (il en parlait si bien) et Truffaut. Il s’agit surtout d’un film admirable du merveilleux Anthony Mann, ce réalisateur de films essentiels dont nous reparlerons bientôt.

Les westerns mythiques : (#6) « Mort ou vif » de Sam Raimi

 

Quand The Quick and the Dead (le titre original de Mort ou vif) sort sur les écrans en 1995, le réalisateur Sam Raimi est connu pour sa trilogie horrifique Evil Dead, qui avait enthousiasmé dans les Eighties tous les aficionados des cinémas de genre. Il n’était pas encore l’heure pour lui de s’attaquer au mythe de Spider-Man. De la même façon, Leonardo DiCaprio n’était pas encore le roi du monde à la proue du Titanic (James Cameron, 1997), enlaçant tendrement Kate Winslet. Et Russell Crowe ne tombait pas encore amoureux de Kim Basinger dans L.A. Confidential (Curtis Hanson, 1997) la même année, dans ce qui reste à ce jour la meilleure adaptation au cinéma d’un roman de James Ellroy.

Par contre, Sharon Stone, elle, avait gagné ses galons de star absolue au cinéma et de Girl Next Door depuis quelques années déjà. Les Nineties ont été pour elle sa Golden Decade (citons seulement Basic Instinct de Paul Verhœven en 1992, Sliver de Phillip Noyce en 1993, L’Expert de Luis Llosa en 1994, Casino de Martin Scorsese en 1995, Diabolique de Jeremiah S. Chechik en 1996, ou encore le remake de Gloria de Sidney Lumet en 1999). C’est pourquoi elle est le personnage principal de ce somptueux western. Elle est l’héroïne incontestable, et ceux qui voudront lui contester son leadership de pistolero vont bientôt mordre la poussière de la ville sans foi ni loi de Redemption. Sharon Stone irradie littéralement la pellicule, merveilleusement photographiée par le génie italien Dante Spinotti.

Elle incarne dans Mort ou vif une jeune femme qui arrive très remontée dans une ville poussiéreuse de l’Ouest, Redemption. Dans cette bourgade, un homme, Herod, y fait la loi au mépris de toute bienséance sociale et juridique. La jeune femme s’installe à l’hôtel et s’inscrit au concours de tir qui voit débouler tous les pistoleros, tous les outlaws et tous les maboules de la région. Pourquoi cette belle femme vient se mélanger à cette faune de tarés qui tire à tout-va ? Et pourquoi semble-t-elle faire une fixation sur ce Herod, qui à la fois l’inquiète et l’attire malgré elle ? Et puis cet homme très séduisant, Cort, enchaîné par les sbires de Herod, quel rôle va-t-il jouer dans la mascarade de cette ville sauvage ?

Disons le tout net : Mort ou vif reste aujourd’hui encore le chef-d’œuvre absolu de Sam Raimi, pourtant pas avare en œuvres cinématographiques hors du commun. Non seulement il donne ses lettres de noblesse à un genre en perte de vitesse au milieu des années 1990, mais il rend aussi hommage à ceux qui l’ont précédé dans l’exercice : Sergio Leone en premier lieu, Clint Eastwood ensuite. En conférant le rôle de Herod à Gene Hackman, qui trois ans auparavant officiait dans Impitoyable (Clint Eastwood, 1992), Sam Raimi s’inscrit dans une lignée : celle des orfèvres du genre.

D’ailleurs, Gene Hackman est prodigieux dans Mort ou vif. Chaque inflexion de sa voix, chaque réplique, chacun de ses gestes dessinent le portrait d’un homme sadique et cruel, mais qu’on ne peut s’empêcher de craindre et de scruter. Gene Hackman réussit le miracle de nous faire aimer déraisonnablement une figure maléfique de haute volée. Et face à lui, Sharon Stone, Russell Crowe, Lance Henricksen et Leo DiCaprio tiennent sacrément la route.

Ce western exceptionnel symbolise ce qu’une conjonction de talents inouïs arrive à réaliser quand le feu sacré brûle sur l’autel du travail bien fait. 

Depuis sa sortie sur nos écrans en 1995, ce western ne cesse de se bonifier. C’est pourquoi, aujourd’hui, il fait figure de film mythique dans ce genre, le western, que nous aimons par dessus tout.

Ciné 80 : (#8) « Highlander »

Un film de l’australien Russell Mulcahy, sorti sur les écrans de cinéma en France en 1986.

Dans un plan saisissant du film, le highlander, un être humain devenu immortel, est en fâcheuse posture. Nous sommes en pleine Seconde Guerre mondiale dans cette séquence. Pendant qu’un officier SS lui tire dessus à la mitraillette, il s’affaisse sur une petite fille, Rachel, que le nazi vient de rendre orpheline. Soudain il ouvre les yeux, et la petite, surprise, lui demande : « Mais tu es vivant ? » Et Christophe Lambert, qui interprète ce preux chevalier qui traverse le temps depuis quatre siècles et demi, depuis les Highlands de son Clan en 1536, jusqu’au New York de l’année 1985, répond à la petite, tout en lui adressant un clin d’œil : « It’s a kind of magic ! » Alors il se relève et abat le nazi. Rachel deviendra par la suite la femme très classe qui protègera l’identité secrète de Connor MacLeod.

Highlander date de 1986 et met en vedette à Hollywood notre star masculine française de l’époque, Christophe Lambert, qui avait crevé les écrans dans Subway de Luc Besson en 1985, et dans Greystoke, la légende de Tarzan du Britannique Hugh Hudson un an plus tôt (en 1984 donc). Nous reparlerons plus en détail de ces deux-films-là dans deux prochains articles de la rubrique Ciné 80 (patience, patience !)

Pendant un tiers du film le personnage de Connor MacLeod est associé à celui, plus fantasque, de Juan Ramirez, le flamboyant hidalgo immortel lui aussi, et plus vieux de 6500 ans. C’est Sean Connery qui interprète savoureusement ce personnage de mentor haut en couleur, calqué sur celui d’Alec Guinness dans le tout premier volet de La Guerre des Étoiles (1977) de George Lucas. Les années 1980 continuaient les décennies 1960 et 1970 qui avaient fait de l’Écossais Sean Connery une star de cinéma incontournable. Pendant cette décennie 80 l’acteur s’amuse, et cela se reflète dans le choix de ses rôles, qui s’écartent de ceux qu’il arborait une décennie plus tôt : le roi grec Agamemnon dans Bandits, Bandits de Terry Gilliam en 1981, le shérif William T. O’Neil dans Outland, loin de la Terre de Peter Hyams en 1981 toujours, James Bond 007 à nouveau (et pour un dernier tour de piste) dans le sublime Jamais plus jamais d’Irvin Kershner en 1983 (qui reste un Bond non officiel, ne l’oublions pas), Guillaume de Baskerville dans le puissant et poétique Le Nom de la Rose du Français Jean-Jacques Annaud en 1986, la même année que le Mulcahy qui nous intéresse ici, le flic incorruptible Jim Malone dans le chef-d’œuvre Les Incorruptibles de Brian de Palma en 1987, et bien entendu le premier Professeur Jones, Henry Jones, Sr., dans le très beau Indiana Jones et la Dernière Croisade de Steven Spielberg en 1989, pour clore la décennie en beauté. L’acteur vieillissant aimait incarner des mentors, des hommes d’âge mûr qui transmettent quelques bribes d’expériences humaines à de jeunes têtes brûlées qui foncent tête baissée sur le chemin escarpé de la vie.

Un bon film, comme disait Alfred Hitchcock, c’est aussi un méchant qui marque les esprits. En la matière le très méchant guerrier immortel de Highlander, le Kurgan, qui veut remporter le prix ultime pour soumettre l’humanité à sa botte, ne manque d’aucunes des caractéristiques qui en font un antagoniste inoubliable : look punk-rock démentiel, dégaine de cuir noir, farouche envie de mettre le feu à la bienséance au cœur même d’une paisible église qui n’en demandait pas tant.

Alors quand dans la salle de cinéma, en 1986, le dernier plan tourné dans les Highlands nous montrait le dernier Immortel Connor MacLeod enlacer tendrement son amoureuse, la belle New Yorkaise de la Police scientifique Brenda, et laissait la place au générique de fin en faisant miauler dans les enceintes la chanson-titre du film : A Kind of Magic de Queen, un de nos groupes préférés des Eighties, on venait de comprendre que ce jeune réalisateur australien surdoué, Russell Mulcahy, venait de nous offrir les clés enchantées du Dernier Royaume de notre enfance, celui des rêves en celluloïd, en Panavision  et en Technicolor, qui allaient nous accompagner toute notre vie.

Mission: Impossible – The Final Reckoning

Ces nouvelles aventures de l’agent Ethan Hunt et de sa Task Force de l’IMF démarrent sur les chapeaux de roue. Pendant les 2h49 qui suivent, le rythme ne faiblit jamais. Ethan, qui a mis la main dans l’épisode précédent sur une double clé d’une importance capitale pour arriver au code-source de l’Entité, une IA démiurge qui veut prendre le contrôle des mises à feu nucléaires mondiales (rien de moins !), va courir après un antagoniste, Gabriel, qui lui donne du fil à retordre. Mais voilà, Ethan Hunt est résilient, et même cabossé à l’extrême par les sbires de Gabriel dans des sous-sols cauchemardesques, le désormais sexagénaire envoie encore du lourd en matière de bagarres fractales. Mais là n’est plus l’essentiel.

Même la caméra refuse d’impressionner la pellicule avec de la violence gratuite. On laisse le superviseur du son nous faire comprendre de quoi il s’agit. Ce qui est important désormais, c’est cela : Tom Cruise court une fois de plus contre la montre. En allant en Autriche, en passant par Londres, en se rendant par sous-marin nucléaire (excusez du peu !) barboter dans les eaux glaciales de la Mer de Béring, et en s’envoyant littéralement en l’air au-dessus de l’Afrique du Sud, Tom/Ethan réunit deux héros cinématographiques en un seul : il est à la fois James Bond 007 (puisque Daniel Craig a délaissé le costume) et Indiana Jones (même si Harrison Ford ne daigne pas lâcher le flambeau). Il court, nage, vole, bastonne bien comme il faut, mais, contrairement à eux, il n’a aucun goût pour la gaudriole. Car il préfère l’amitié aux galipettes sous la couette. Ce qu’il partage avec James Bond, par contre, c’est la ville de Londres, dans laquelle il apparaît à deux reprises au cours du film. Il semble que Londres devienne l’endroit où l’agent de l’IMF et ses autres protagonistes préfèrent vivre. En cela cette nouvelle aventure de la bande de l’IMF est raccord avec le tout premier film de la saga cinématographique initiée par Tom Cruise et Brian de Palma en 1996, où les scènes londoniennes étaient le marqueur original de cette quête d’espionnage à l’échelle internationale. Et puis Tom Cruise a vécu à Londres, pendant le tournage de Eyes Wide Shut (1999) de Stanley Kubrick.

Techniquement irréprochable, truffé de séquences spectaculaires fabriquées à l’ancienne, Mission: Impossible – The Final Reckoning de Christopher McQuarrie, est une déclaration d’amour du beau Tom vieillissant à son public de fans de la première heure, celles et ceux qui ne l’ont jamais lâché depuis ses débuts tonitruants dans Legend (Ridley Scott, 1985), Top Gun (Tony Scott, 1986), La couleur de l’argent (Martin Scorsese, 1987) et Rain Man (Barry Levinson, 1988), et dont je fais partie.

Il s’agit d’un spectacle cinématographique réjouissant à aller voir en famille avec les kids.

Un séjour au Texas : « Texas Chainsaw Massacre »

 

Texas Chainsaw Massacre, premier du nom, réalisé par Tobe Hooper en 1974, reste le film matriciel du genre horrifique contemporain au cinéma. Alors, réinvestir le mythe du tueur motivé Leatherface au début des années 2020, sous la houlette de Fede Alvarez à la production pour le compte de Legendary Pictures et de Netflix, était un pari risqué. Car les fans absolus de cette franchise, qui aiment regrouper cet ensemble de films sous le vocable Leatherface, comme un cri de ralliement à un cinéma d’horreur organique à l’ancienne, allaient montrer de quel bois on se chauffe, et de ce qu’on avait dans l’estomac… Non, mais !

Prenez deux sœurs, Lila, une rescapée de la tuerie du lycée de Stonebrook, et sa grande sœur Melody, qui veille sur elle, et qui décide d’investir ses économies dans la ville fantôme de Harlow, au Texas, pour la faire revivre en mode « attention, les bobos prennent goût à la campagne ! » Elles sont accompagnées dans leur aventure par un couple d’amis et par un bus rempli à ras bord de jeunes investisseurs friqués et branchés. Tout se passerait pour le mieux si les choses étaient faites dans les règles de l’art ; mais voilà, une irréductible vieille dame a volontairement oublié de quitter les lieux. Elle a dirigé pendant cinquante ans l’orphelinat de Harlow et a redonné du sens à la vie cabossé de ses petit.es pensionnaires. Melody et ses ami.es, depuis Austin, et avec l’aide des banquiers, ont acté l’expropriation de cette vieille dame impotente. Mais cette dernière s’accroche désespérément à sa vieille bâtisse. Elle ne veut pas partir…

Ne réveillez surtout pas le monstre endormi, et qui sommeille depuis trop longtemps sous le masque tragique de la Mort Rouge. Car il a passé les dernières années de sa vie à s’occuper du mieux qu’il pouvait de celle qui lui a accordé de l’attention. Bientôt, très bientôt les startuppers trentenaires autosatisfaits vont mordre la poussière au son de la musique abrasive d’une antédiluvienne tronçonneuse à la chaîne rouillée.

On va entendre à nouveau crier, hurler, gémir, haleter, dans ce coin de Texas aux couchers de soleil flamboyants. Et Leatherface de danser, danser, danser, dans l’aube ou au crépuscule, accompagné par le chant de la tronçonneuse, avec cette envie folle de poétiser les engins agricoles.

Ce Massacre à la tronçonneuse cuvée 2022, réalisé pour Netflix par David Blue Garcia, est un film d’horreur graphique millimétrée, dans lequel même les plus vaillantes Texas Rangers finissent par succomber, un sourire aux lèvres. Welcome into the Lone Star State !